viernes, 31 de diciembre de 2010

World Saxophone Quartet

Grupo de Jazz compuesto por saxofonistas que desde 1976 nos hacen disfrutar del increible sonido que surgen de sus saxos....
Since its inception in 1976, the World Saxophone Quartet has been critically lauded for its improvisatory skills and is considered among the legitimate heirs to such post-bop, free jazz, and postmodern jazz pioneers as Albert Ayler, Anthony Braxton, Steve Lacy, Cecil Taylor, Ornette Coleman, and Eric Dolphy. The tonal innovations and radical new approaches that these musicians introduced to the jazz idiom in the 1960s include a rejection of mainstream jazz in favor of music more closely resembling that of such modern composers as Charles Ives and John Cage; these innovations eventually influenced some of the most highly regarded jazz recordings of Miles Davis, John Coltrane, and Pharoah Sanders. These recordings feature longer performances of individual musical pieces, which were played in a more spontaneous, unstructured fashion that often resulted in deeply disturbing, cacophonous performances.
The World Saxophone Quartet has continued these groundbreaking traditions, while adding the musicians' individual abilities to compose distinctive jazz music that serves as a launching pad for their improvisatory skills. While the largely unaccompanied four-saxophone lineup of the World Saxophone Quartet has drawn critical comparisons to the string quartets most commonly associated with classical chamber music, the Quartet has experimented equally with atonal music, distortion, volume, jazz standards by such composers as Duke Ellington, and European classical compositions. Each member of the original lineup of the World Saxophone Quartet was associated with the 1970s "loft jazz" scene in New York City.
Three original members of the World Saxophone Quartet—Hamiet Bluiett, Julius Hemphill, and Oliver Lake—were acquaintances from the vibrant jazz scene of St. Louis, Missouri, during the 1960s and early 1970s. Hemphill grew up in Fort Worth, Texas, and immersed himself in the city's jazz and R&B scene, including a period of study with jazz clarinetist John Carter. After a brief stint as a saxophonist for Ike Turner, Hemphill joined the Black Artists Group in St. Louis, a loosely knit consortium of artists who experimented with poetry, theater, painting, sculpture, and music. He moved to New York City in the mid-1970s and worked with such free jazz proponents as Anthony Braxton and Lester Bowie.
A leader of the Black Artists Group, Lake was extremely knowledgeable about free jazz theories as well as being an accomplished saxophonist and composer. He spent much of the early 1970s with other Black Artists Group members in Paris, France, before eventually relocating to New York City. Bluiett had also been a member of the Black Artists Group, until 1969, when he moved to New York City. In New York he performed with celebrated jazz bassist and composer Charles Mingus. The youngest member of the four original World Saxophone Quartet members, David Murray, was raised by musical parents in Berkeley, California. He switched from playing alto saxophone to tenor saxophone after hearing Sonny Rollins. He studied music with Ornette Coleman's former trumpeter Bobby Bradford and befriended writer Stanley Crouch at Pomona College. When he was 20, Murray moved to New York City and opened Studio Infinity, a loft venue where he played with Crouch on drums and Mark Dresser on bass. Among his most important jazz influences were avant-garde saxophonists Albert Ayler and Archie Shepp.
In 1976 Ed Jordan, chairman of the Music Department at New Orleans Southern University, invited the four musicians to a series of seminars and concerts. The impromptu group discovered that the audience showed greater appreciation for their performances done without the assistance of a rhythm section. The creative interplay between the four musicians prompted them to organize as a group that would play the United States jazz circuit. They performed at the Tin Palace, New York City, as the Real New York Saxophone Quartet. Because the city already boasted a jazz group named the New York Saxophone Quartet, Bluiett, Hemphill, Lake, and Murray changed the name of their ensemble to the World Saxophone Quartet.
Although the members of the World Saxophone Quartet boasted similar influences, their individual sounds were distinctive. Murray created a deep tenor sound that employed a substantial amount of vibrato, drawing comparisons to bebop saxophonists Ben Webster and Coleman Hawkins. But he also featured unresolved or improperly resolved tones that drew comparisons to a similar style of "wrong-note" playing by tenor saxophonist Eric Dolphy. Lake's style also has been compared to Dolphy's, though Lake mostly played alto saxophone. Critics detect distinctive R&B and blues elements in his playing, with some reviewers comparing his style to James Brown saxophonist Maceo Parker.
Baritone saxophone player Bluiett is considered the group's most traditional-sounding musician, drawing his style from traditional blues and bebop jazz and prompting comparisons to baritone saxophone player Harry Carney from the Duke Ellington Orchestra. He has been praised for the range he can draw from his instrument, sometimes playing his saxophone in registers most often associated with tenor or soprano saxophones. Hemphill's alto saxophone playing was distinctive for its volume and harsh sound. He was also lauded as perhaps the most distinctive composer within the World Saxophone Quartet, though each member's compositional abilities has been singled out for critical praise. In fact, as the group's recording career progressed, each subsequent album was commended for containing stronger compositions than its predecessor. The group's inaugural recording, Point of No Return, was released in 1977 and is noted for consisting almost entirely of improvised playing. The group steadily gained critical and audience appreciation, consistently being included in the Top Five Jazz Groups list in the Down Beat magazine Annual Critic's Poll, as well as being named Best Jazz Group in the Playboy magazine Reader's Poll. The album World Saxophone Quartet Plays Duke Ellington was included on the New York Times Best Albums of 1986 list.
Each member of the World Saxophone Quartet has enjoyed success with projects outside the group. Bluiett performed with Motown artists Marvin Gaye and Stevie Wonder; Lake led the funk and reggae band Jump Up and published poetry; Murray is among the most prodigious jazz artists of his era, recording and performing as a solo artist and leader of several ensembles of varying sizes; and Hemphill departed the group in 1989 to pursue other musical interests, including opera. He died in 1995. The group replaced Hemp-hill with Arthur Blythe in 1990. When Blythe departed in 1992, he was replaced by James Spaulding. In 1993 Spaulding was replaced by Eric Person, who, in turn, was replaced until 1996 by a returning Blythe. That year, John Purcell became Hemphill's permanent replacement. A soprano saxophone player, Purcell earned high critical praise as a member of drummer Jack DeJohnette's group Special Edition.
Fuente: http://www.enotes.com/contemporary-musicians/world-saxophone-quartet-biography

viernes, 24 de diciembre de 2010

Wynton Marsalis promociona su 'Vitoria Suite'.


El trompetista Wynton Marsalis ha promocionado su 'Vitoria Suite', el disco elaborado en homenaje al Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz, en una de las principales emisores de TV americanas, la MSNBC, un canal de información 24 horas, a la altura de la CNN y la FOX.
El compositor, entrevistado en el programa 'Morning Joe', explica que la idea de la 'Vitoria Suite' partió del responsable del festival vitoriano, Iñaki Añúa, quien le pidió que "escribiera un blues" para el aniversario del festival. "Le contesté que iba a escribir una pieza larga. Son doce movimientos, porque hay doce medidas en el blues, y cada movimiento captura algún aspecto del festival de Vitoria", señala el músico.
Marsalis, que inicia estos días una gira de la 'Vitoria Suite' por diversas localidades de Estados Unidos, bromea con la acogida que tuvo la presentación mundial de su composición en el festival de Mendizorroza. "Hicimos un baile 'swing'", relata al entrevistador. "Puedes imaginarte a la gente del País Vasco intentando bailar un 'swing'", bromea.
Elevada vinculación con Vitoria
Marsalis, que aborda en la entrevista otros aspectos, como la recuperación de la ciudad de Nueva Orleans (de donde es originario) tras el paso del huracán Katrina, demuestra de nuevo su elevada vinculación con Vitoria. "Vamos al festival cada dos años", dice. "Lo que quiere decir que lo hago desde hace dieciséis".
La gira de Marsalis y la Lincoln Jazz Orchestra llevará la 'Vitoria Suite' en los próximos dos meses por ciudades como Nueva York, Toronto, Omaha, Chicago, Washintong, Salt Lake City, Tucson, Las Vegas, Philadelphia y Los Angeles, entre otras.
Fuente: http://www.elcorreo.com/alava/20101217/mas-actualidad/cultura/jazznueva-201012171427.html

viernes, 17 de diciembre de 2010

Edward Simon

Nacido en 1969, en una pequeña villa costera de Cardón, estado Falcón, Venezuela, Edward agradece a su padre, Hadsy Simon, haberlo estimulado a desarrollar su pasión por la música, y haberlo apoyado, así como a sus hermanos Marlon y Michael, en el proceso hasta convertirse en músicos profesionales. Cuando Edward tenía ocho años, su padre llevó a casa algunos instrumentos de percusión y un órgano eléctrico. El hermano mayor, Marlon, ahora baterista y percusionista, se sintió atraído por los timbales, y Edward se interesó por el órgano. Por su parte, Michael, aún muy pequeño, se dedicaría más tarde a la trompeta y a la composición. Hadsy, que cantaba y tocaba la guitarra, invitaba a los amigos los fines de semana para que la familia contara con una audiencia ante la que actuar.
Al principio, las preferencias de Simon se centraron en los instrumentos electrónicos y en la música folklórica de su Latinoamérica natal. Su interés por el jazz se despertó al ver un video de Chick Corea, en concierto con Stan Getz y Dizzy Gillespie, tocando en la Casa Blanca de los Estados Unidos de América (EUA). Con sólo 12 años, la experiencia de escuchar aquellas improvisaciones y armonías tan intrincadas lo impactaron profundamente, con lo cual estableció su primer contacto con la tradición y las raíces del jazz y
surgió su amor por tal estilo. A los 15 años, Edward inició sus estudios de música clásica en la Universidad
de Artes de Filadelfia, EUA, bajo la tutela de la concertista de piano Susan Starr. Ser adolescente y vivir solo en la Norte América urbana suponía todo un reto para Simon. Reto que logró superar concentrándose intensamente en el estudio. Así comenzó a descubrir algunos de los gigantes del jazz: Bill Evans, Herbie Hancock, Thelonious Monk y Bud Powell. Entre los no pianistas, la influencia más notable fue la de Miles Davis, cuyo empleo del silencio le impresionó profundamente y a la larga llegó a inspirar su sensibilidad minimalista. La habilidad de Edward Simon para combinar ritmos afrocaribeños, boleros y temas populares de su tierra natal con
armonías propias del jazz lo confirman como un talento único para trascender géneros.
En 1988, Edward irrumpe en la escena del jazz como componente del trío liderado por el contrabajista Charles Fambrough. Su inteligente actuación le dio fama de intérprete reflexivo y rítmicamente astuto, lo que llegó a oídos de renombrados músicos como Greg Osby, Kevin Eubanks y Bobby Watson, quienes lo contratan. Estuvo cinco años con la banda Horizon, de Watson, mientras abría tiempo en su agenda para tocar con grandes figuras del jazz latino como Jerry Gonzales, Herbie Mann y Paquito D’Rivera. En 1994, el prolífico compositor y trompetista Terence Blanchard llama a Edward para que ocupe el puesto de pianista en su banda. Fueron sus antecedentes latinos y su pasión por las ‘músicas del mundo’ lo que más atrajo la admiración e interés de su nuevo líder. “Ed contribuyó decisivamente a definir el sonido de la banda”, afirma Blanchard. “Aportó una perspectiva más amplia, lo que posibilitó enriquecer con nuevos contrastes todo lo que hicimos durante los casi ocho años de trabajo conjunto”.
En 2001, Edward comienza a aparecer en escena junto a John Patitucci, quien luego lo acompañará al bajo en sus discompactos El Proceso (2003) y Unicity (2006). Antes había presentado al público varias producciones, como Beauty Within (1994), Edward
Simon (1995) y La Bikina (1998), álbumes con elementos jazzísticos, pero siempre profundamente enraizados en sus orígenes latinos.
El Proceso resultó el primero de sus trabajos en los que, como líder de banda, Ed presenta un jazz sin etiquetas. Como parte de su estrecha colaboración con el saxofonista y compositor David Binney, Edward ha grabado dos discos a dúo, primero Afinidad (2001) y luego Fiestas de agosto (2003), y en 2004 lanza otra grabación a dúo con Luciana Souza, vocalista nominada a los premios Grammy. En 2005, Ed edita Simplicitas, un proyecto más íntimo y personal, que cuenta con la adaptación de canciones popularesvenezolanas al lenguaje jazzístico, entre otros planteamientos. Acaba de lanzar al mercado la última de sus producciones, Unicity.
Versión a partir del sitio web www.edwardsimon.com
Fuente: http://www.venezuelademo.com/musicos/artistas/edward-simon.pdf

jueves, 16 de diciembre de 2010

Gerry Mulligan

Lionel Hampton presents Gerry Mulligan 1977.- Es un disco de 1977 en este disco se combina muy afortunadamente el dulce y razonado sonido de Gerry Mulligan con sus patrones melódicos y una sensación rítmica swing inyectada por Lionel Hampton. El disco esta audiblemente influido por la corriente en ese entonces ya en decadencia (debido al gran boom )del groovy jazz por el uso de congas (Candido Camero) que se mezcla con el estilo cool de Mulligan y las frases entrecortas de Hank Jones que realmente luce brillante. Pese al gran peso del gran maestro Hampton el carisma de la grabación nunca deja el saxofón de Gerry Mulligan. Bucky Pizzarelli en la guitarra tiene algunos solos afortunados en "Limelight" mientras que en otros temas el uso de penta tónicas de blues desenmarca con el famoso sonido grave de Mulligan. La participación de Grady Tate son francamente un descanso de grandeza de Mulligan, Hank Jones y Hampton sin embargo no hacen rompimiento alguno sino que enmarca un ritmo de franca invitación.El tema que da nombre a algunas reimpresiones del disco (Gerry Meets Hamp) no es lo mejor del disco. Salvo "Blight of the Fumble Bee" cualquier otro tema es francamente superior pero lo que hace grandioso cualquiera de los números son los solos.Es un disco indispensable, histórico y francamente recomendable.
Fuente:http://discosjazzblues.blogspot.com/2008/12/lionel-hampton-presents-gerry-mulligan.html

lunes, 13 de diciembre de 2010

Artistas de ocho países en festival cubano Jazz Plaza

La Habana, 11 dic (PL) Agrupaciones de ocho países, entre ellos Estados Unidos, Argentina y Canadá, participarán aquí en el 26 Festival Internacional Jazz Plaza, del 16 al 19 de diciembre.
Grupos y solistas provenientes de Suiza, Suráfrica, Alemania, Canadá, Noruega y Austria acompañarán a las 42 agrupaciones del patio que asistirán al evento, dedicado a la percusión en el jazz.
Alexis Vázquez, su cordinador general, destacó la visita del pianista estadounidense de origen cubano, Arturo O Farrill, quien se presentará en varias ocasiones en la isla durante el festival.
Ganador de un Grammy en 2009 por A song for Chico -un tributo a su padre, Chico O Farril, de origen cubano-, actuará en la clausura junto al destacado pianista Chucho Valdés, quien ambién inaugurará la cita en el capitalino teatro Mella.
O Farill tiene previsto tocar un día antes de la gala inaugural en el pueblo habanero de San José de las Lajas, en una iglesia que sus antepasados ayudaron a construir.
El Festival Jazz Plaza es ya un punto de referencia para el movimiento jazzístico internacional, expresó Vázquez. Amigos de varios continentes nos han tendido una mano, algo que siempre se agradece, acotó.
La crítica y musicóloga Nery González adelantó que la parte teórica contempla un seminario sobre temas como la percusión en el género, el audiovisual actual y el legado de percusionistas como los cubanos Chano Pozo, Mongo Santamaría y Tata Güines al panorama internacional.
Entre las bandas y solistas extranjeros que se presentarán durante cuatro días ininterrumpidos de descargas y conciertos destacan, además de O Farrill, la estadounidense Andrea Brachfeld, el español Oscar Peña, el cuarteto holandés ARIFA y la canadiense Rachel Therrien, entre otros.
Por la parte cubana actuarán Valdés, Bobby Carcassés, Rember Duarte, Hernán López-Nussa, el cuarteto vocal femenino Sexto Sentido, la banda Síntesis, Roberto Fonseca y su grupo Temperamento.
Fuente: http://www.prensa-latina.cu/index.php?option=com_content&task=view&id=246099&Itemid=1

miércoles, 8 de diciembre de 2010

Kenny Dorham


Trumpeter Kenny Dorham (1924-1972) was famous throughout his career for not being famous enough. Overshadowed by Dizzy Gillespie, Miles Davis, Clifford Brown, and Lee Morgan, Dorham’s accomplishments tended to be underrated and overlooked during his lifetime. But now, with the hindsight of history, it is easy to note that he was one of the most significant trumpeters of the 1945-1965 period, a distinctive stylist and a fine composer who had a musical message of his own.
Originally a pianist, Dorham switched to trumpet when he was in high school. He served in the Army during 1942-1943 and worked with trumpeter Russell Jacquet in Houston before moving to New York. Twenty-one at the time that bebop exploded on the jazz scene in 1945, Dorham was part of the modern jazz scene from the beginning, playing with the orchestras of Dizzy Gillespie (his first unrecorded big band) and Billy Eckstine. He also worked with the big bands of Lionel Hampton and Mercer Ellington, but more significant were his recording dates with the Be Bop Boys in 1946, groups that included altoist Sonny Stitt, pianist Bud Powell, and trumpeter Fats Navarro.
In December 1948, Dorham replaced Miles Davis with the Charlie Parker Quintet, playing with Bird regularly for a year. His lyrical sound, warm tone, and ability to think fast on his feet made him a standout even if the flashier trumpeters tended to grab the headlines.
After leaving Parker, Dorham freelanced for a time, recording his first album as a leader for the Debut label. The Kenny Dorham Quintet is a strong straightahead set that co-stars tenor saxophonist Jimmy Heath. The trumpeter’s tone was quite personal and he was emerging as an important transitional force between bop and hard bop. That role became more apparent when Dorham became an original member of Art Blakey’s Jazz Messengers, led the Jazz Prophets, and was the late Clifford Brown’s replacement with the Max Roach Quintet. He was also emerging as a fine composer. In his career his best-known compositions would be the standard “Blue Bossa,” “Lotus Blossom,” “Minor Holiday,” “Prince Albert,” and “Una Max.”
During 1957-1959, Dorham led four memorable projects for Riverside and one for New Jazz, all of which have their own personality and purpose. On Jazz Contrasts, his sidemen are the immortal tenor Sonny Rollins, pianist Hank Jones, bassist Oscar Pettiford, and drummer Max Roach, each of whom join together to help define hard bop on such numbers as “I’ll Remember April” and “Falling in Love with Love.” Three selections without Rollins have harpist Betty Glamman adding an atmospheric touch to the ensembles. 2 Horns, 2 Rhythm is a pianoless quartet date with altoist Ernie Henry which includes the trumpeter’s “Lotus Blossom” and a delightful reworking of “Is It True What They Say About Dixie?” This Is the Moment! is a unique project for it is Dorham’s only vocal album, a pleasing affair. On Blue Spring, the trumpeter’s band includes a jubilant Cannonball Adderley on alto, baritonist Cecil Payne and David Amram on French horn. Quiet Kenny puts the focus on ballads and Dorham’s playing in a quartet setting.
Kenny Dorham’s career was at its height during 1961-1964 when he recorded for Blue Note and helped to introduce the promising young tenor Joe Henderson. But despite only being 41 in 1965, he stopped leading record dates and played only on a part-time basis during his final seven years, losing a battle with kidney disease. Despite being constantly overlooked during his prime years, Kenny Dorham is remembered today as one of the most vital trumpeter-composers of the bebop and hard-bop eras.
Fuente: http://basementrug.com/2147

jueves, 2 de diciembre de 2010

Buenos Aires Jazz Festival 2010

EL JAZZ INVADE BUENOS AIRES
(ANSA) - Artistas internacionales y argentinos compartirán los escenarios de la tercera edición del Buenos Aires Jazz Festival, que se desarrollará en teatros, plazas y terrazas de la capital argentina del 3 al 8 de diciembre.
Serán cinco días de programación intensa, en la que se destaca la presencia de The Mingus Dinasty, legendario sexteto estadounidense que heredó el legado artístico del genial contrabajista y compositor Charles Mingus, y la del pianista italiano Enrico Pieranunzi, de larga trayectoria avalada por colaboraciones con músicos como Chet Baker, Lee Konitz y Charlie Haden.
El director del Festival, Adrian Iaies, uno de los pianistas argentinos más destacados, estableció desde la primera edición algunas pautas que caracterizan el contenido del Buenos Aires Jazz frente a otras manifestaciones similares en el mundo.
"La condición excluyente en la elección de los artistas extranjeros es que nunca se hayan presentado con anterioridad en Buenos Aires", afirmó Iaies.
El director del Festival también se preocupó por acercar músicos argentinos que han hecho carrera en el exterior y hace tiempo no tocan en su Ciudad, a través de la sección "Repatriados".
En la sección "Cruces", otra peculiaridad de este Festival, habrá encuentros entre músicos argentinos e invitados internacionales, que compartirán la experiencia del escenario en recitales sin esquemas preestablecidos y con la consigna de improvisación.
La apertura del Buenos Aires Jazz, el 3 de diciembre en el Teatro Coliseo, estará a cargo de Frank Carlberg y Christine Correa, dúo referente de la vanguardia jazzística neoyorkina, y sobretodo del ya citado The Mingus Dinasty, creado por Sue Mingus tras el fallecimiento de su esposo. El pianista italiano Enrico Pieranunzi se presentará en tres distintos recitales que darán cuenta de sus múltiples facetas. El 4 de diciembre Pieranunzi estará en el teatro 25 de Mayo con su trío (piano, contrabajo y batería), mientras el 7 actuará como solista en el Teatro San Martin.
El 8 de diciembre, en el cierre del festival, Pieranunzi se exhibirá con un quinteto integrado por dos vientos, el saxofonista Ramiro Flores y el trompetista Diego Urcola, ambos argentinos, en un show donde se presentará el disco "Fellini Jazz", inspirado en las músicas compuestas por Nino Rota para las películas del maestro del cine italiano.
El Buenos Aires Jazz desplegará su programación en ocho sedes porteñas a través de sus distintas secciones. Los "Conciertos Internacionals" tendrán lugar en los teatros Coliseo, San Martin y 25 de Mayo, mientras que la sección "Cruces" entre artistas internacionales y locales se realizará en algunos de los lugares más tradicionales del jazz porteño, como el Club Notorius, el Café Vinilo y La Trastienda Club. También habrá conciertos gratuitos en la sección al "Aire Libre", que tendrán como escenografía la Terraza y el Patio del Aljibe del Centro Cultural Recoleta (CCR). El BA Jazz 2010 se completa con la programación de "Jazzología", sección dedicada lo más tradicional del género, un ciclo de proyecciones de filmes y documentales denominado "Jazz y Cine", en el CCR, y un sector didáctico denominado "El Aula", dedicado a la formación pedagógica mediante masterclasses y workshops.
También se programaron una "Muestra Permanente" de fotografías en el CCR, y la tradicional "jam session" ("Jam"), cuyo escenario estará abierto hasta la madrugada para todos los músicos que quieran subir a él.
La "Jam" se realizará en La Trastienda con el trompetista Gillespi como anfitrión. DFB
01/12/2010 18:41
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Fuente: http://www.ansa.it/ansalatina/notizie/rubriche/cultura/20101201184135185244.html

viernes, 26 de noviembre de 2010

Chick Corea, en estado puro.-

El gran pianista de jazz Chick Corea ofreció dos conciertos en tierras catalanas. El primero el viernes 5 de noviembre en el Auditori de Girona y el segundo un día después en el Palau de la Música dentro del Festival de Jazz de Barcelona.
El formato elegido para ambas actuaciones fue un recital en solitario. El maestro con su piano acústico improvisó lo mejor de su dilatado repertorio, standards y composiciones originales y temas de sus compositores preferidos a modo de medleys, Thelonious Monk, Bill Evans o Bud Powell.
Ya desde muy temprana edad Chick Corea aprendió a tocar el piano. Su padre, músico profesional, fue el que le introdujo en el mundo del jazz escuchando a los grandes como Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Lester Young, Bud Powell y por descontado Miles Davis, del que declara sentirse desde entonces ligado a su música.
Chick Corea entró a formar parte del grupo de Miles Davis en 1968. Su colaboración con Miles coincidió con el cambio radical que el genio de St. Louis diera a su música. De la fusión del jazz con el rock a finales de la década de los 60s resultaron grabaciones tan importantes como "Filles de Kilimanjaro" (1968) e "In A Silent Way" (1969) un disco melódico, totalmente diferente que dio paso al doble álbum "Bitches Brew".
El doble álbum de 1969 contó con la participación de dos bateristas (Lenny White y Jack Dejohnette), dos percusionistas (Don Alias y Jim Riley), dos pianistas (Chick Corea y Joe Azwinul), dos bajistas (Harley Brooks y Dave Holland), un guitarra (Jonh McLaughin), un saxo barítono (Wayne Shorter), un clarinete (Bernie Maupin) y a la trompeta Miles Davis. Una formación de músicos jóvenes con talento y una gran experiencia en jazz-rock fusión.
Después volvió a colaborar con Miles en "On the Corner" de 1972, donde Chick Corea compartió protagonismo con otros tres grandes del teclado: Herbie Hancock, Harold Willians y Lonnie Liston Smith. Un disco excelente que pasó sin pena ni gloria después del gran éxito de "Bitches Brew".
Return To Forever, un paso crucial en su carrera
En 1970 Corea se separó de Davis y creó junto a Dave Holland, Barry Altschul y Anthony Braxton el grupo Circle, con el que grabó tres álbumes. A finales de 1971, Corea tras grabar sus dos volúmenes de "Piano improvisations", dio un paso importante en su carrera creando el conjunto de jazz fusión Return To Forever.
Contando con Stantey Clarke, Joe Farrell, Airto Moreira y Flora Purim editó un álbum crucial en su carrera, "Return To Forever" (1972), grabando también en el mismo año "Light As A Feather" que incluye su famosa composición Spain y otro disco "Crystal Silence", un dúo con el vibrafonista Gary Burton.
Un año más tarde grabaría uno de los discos más significativos del jazz-fusión, "Hymn Of the Seventh Galaxy", pero el cambio de Bill Connoors por el guitarrista Al Di Meola imprimió un carácter marcadamente más jazz-rock en los siguientes álbumes del grupo.
Un doble LP con influencia española
Tras grabar "The Leprechaun" en 1976, Corea grabó con sus colegas habituales Stanley Clarke, Don Alias, Gayle Moran, etc, el doble álbum "My Spanish Heart" que incluye la suite "Spanish fantasy" y un recopilatorio de Chick Corea, Herbie Hancock, Keik Jarrett y MacCoy Tyner. En 1977 reanudó su trabajo con Return To Forever para grabar "Musicmagic" y "Live" (1978), el último álbum que grabó con el grupo.
Junto a Herbie Hancock inició una gira tocando el piano de la que surgieron dos dobles LP's, "An evening with Herbie Hancock & Chick Corea in concert" (1979). En 1980 Se editó el recopilatorio "Best of Return to Forever" para reaparecer esta vez en solitario con "Tap step", y en 1981 apareció "Three quartets".
En 1982 grabó el disco "Touchstone" al que siguió en 1983 "Again & Again", ambos con la colaboración de Paco de Lucía y del bajista Carles Benavent, músicos españoles con los que ha seguido colaborando a lo largo de su carrera en varias ocasiones.
Ultimamente ha grabado en Nueva York, con motivo del cincuenta aniversario del "Sketches of Spain" de Miles Davis, un nuevo disco con música con marcado acento español, junto a Carles Benavent, Niño Josele y Jorge Pardo.
Mas de sesenta años haciendo música
Chick Corea formó en 1985 un nuevo grupo, The Electric Band, con el bajista John Patitucci, el guitarrista Scott Hendersson, que sería más tarde reemplazado por Frank Gambale, el saxofonista Eric Marienthal y el batería Dave Weckl. Años más tarde creó su Akoustic Band con Patitucci y Weckl.
Tiempo después formó parte de un quinteto, la Freedom Band, con Kenny Garret y Wallace Roney, Christian McBride y Roy Haynes, amigos con quien aún ahora se reúne para disfrutar tocando juntos.
Con su agente Ron Moss fundó en 1992 el sello Strech Records, consiguiendo colmar una de sus aspiraciones para poder seguir experimentando en la música y expandir límites musicales centrándose más en la creación musical. Uno de sus últimos discos, "The Enchantment" junto al virtuoso del banjo Béla Fleck, consiguió un Grammy por el Mejor Disco Instrumental en el 2007.
En fin, Chick Corea es un auténtico genio que lleva varias generaciones estusiasmando al público con la versatilidad y frescura que le ha consagrado como uno de los mejores músicos contemporáneos.
Leer más en Suite101: Chick Corea, música en estado puro http://jazzblues.suite101.net/article.cfm/chick-corea-musica-en-estado-puro#ixzz16O0HrctD

sábado, 20 de noviembre de 2010

Don Byas

Carlos Wesley (Don) Byas (21 de octubre de1912 - 24 de agosto de1972 ) era un saxofonista del tenor del jazz del afroamericano nacido en el Muskogee, Oklahoma en el Estados Unidos . Biografía
Vida temprana (1912-1932)
Ambos padres de Byas eran musicales: su madre jugó el piano y engendra el clarinet. Byas comenzó su entrenamiento en las obras clásicas, primero en el violín, después en el clarinet (el Benny Carretero era su ídolo) y finalmente en el saxofón del alto, que él tocó hasta el final de los años 20 . Él comenzó a jugar en orquestas locales en la edad de 17, con los gustos Bennie Moten, sostenedor de Terrence y diablos azules de s de la página de Gualterio los'. En la universidad de Langston, Oklahoma, él fundó y llevó su propia venda de la universidad, " Don Carlos y su Ramblers" colegial;, durante 1931-32.
Costa oeste (1932-1937)
Byas cambió al saxofón de tenor mientras que él se trasladó a la costa oeste y jugó con las varias vendas de Los Ángeles. En 1933, él participó en un viaje de la costa oeste con sostenidos y planos de s de Johnson Bert los'. Él trabajó en venda de s de Hampton Lionel ' en el club del paraíso en 1935 junto con el Eddie Barefield y el Tyree Glenn . Él era un miembro de otras vendas en el área incluyendo los de Eddie Barefield, del dólar Clayton (1936), Lorenzo Flennoy y Charlie Echols .
Nueva York (1937-1946)
En 1937, él se trasladó a Nueva York al trabajo con la venda de Eddie Mallory, acompañando la esposa de Mallory, las aguas de Ethel en viaje y en el club del algodón. Él tenía una breve restricción con el Don Redman en 1938 y más adelante en 1939-1940. Él registró su primer solo en mayo de 1939: " Es esto a ser mi Souvenir" con el Timme Rosenkrantz y sus barones del Barrelhouse para el vencedor . Él jugó con las vendas tales como Millinder afortunado, iglesia de Andrés, Edgardo Hayes y Benny Carretero . Él pasó alrededor de un año en la venda de la iglesia de Andrés, registrando entre marzo de 1939 y enero de 1940, incluyendo un solo hermoso del cortocircuito en " Usted me fijó en Fire". En septiembre de 1940, él tenía un solo de 8 barras en " La práctica hace Perfect" registrado por el día de fiesta de Billie. Él participó en sesiones con el Pete Johnson del pianista, la página caliente de los labios del trompetista, y el Joe grande Turner del cantante. En 1941 en el teatro de Minton él jugó con el cristiano de Charlie, el monje de Thelonious y el Kenny Clarke .
En 1941, después de que una estancia corta con el Paul Bascomb, él consiguiera la rotura grande de su carrera, cuando en la cuenta temprana 1941 Basie lo llamó para tener éxito el poste Lester joven en su banda grande"del Harvard Blues".
El agosto de 1942 fue a Hollywood con la banda de Basie a registrar para el Reveille de la película con Beverly.
Noviembre de 1943, grabación pasada con Basie comenzó a jugar en pequeñas vendas en los clubs de Nueva York. Tocó con el Coleman Hawkins en el club de yate (1944).
Asociado a beboppers tales como Gillespie mareado, Charlie Parker, George Wallington, Óscar Pettiford y escarcho máximo en el Onyx aporrear a partir de principios de 1944
Registrado con el Coleman inferior antedicho Hawkins seis lados, que reputan las primeras grabaciones del bebop: " 'N arbolada You", 16 y 22 de febrero de 1944.
Mayo de 1944, deberes compartidos del tenor con Hawkins en el " de este 3ultimo; Saxofón Ensemble" con Gillespie, " registrado; Ser-Bop", " Buen Bait" y " Sal Peanuts", Enero de 1945 para los expedientes del señorío Maria Lou Williams, Benny Goodman, página caliente de los labios
Líder de su propia banda, funcionamientos de mayo de 1944 en el " Tres Deuces"
registrado para las pequeñas etiquetas (col rizada, Jamboree, nacional, disco, Arista, estupendo, americano, eje, Gotham)
A pesar de sus asociaciones del bebop, Byas seguía siempre arraigado profundamente en los sonidos del oscilación. Él comenzó emulando a Coleman Hawkins, pero Byas citó siempre el arte Tatum como su mayor influencia: " No he conseguido ningún estilo, yo apenas soplo como Art".
París (1946-1961)
En septiembre de 1946, Byas fue a Europa al viaje como una de las estrellas en venda grande de de Redman Don '. La expedición ha tomado la venda a través de Dinamarca, de Bélgica, de Suiza, y de Alemania. Eran las primeras toda la orquesta americana negra a aparecer en el capital francés desde la liberación. Byas, como algunos otros en la orquesta de Redman, olvidó volver a través del Atlántico. Después de que algunas reservaciones lo llevaran a Bélgica y a España, él finalmente colocó en París, y fue dado una oportunidad de registrar casi inmediatamente.
Mientras que todavía en Ginebra él registró el " Laura" y " Cómo es alto el Moon". En diciembre de 1946 él registró por primera vez en Francia, con Redman, Tyree Glenn y los cacahuetes Holanda .
Registrado para las etiquetas del oscilación y de la estrella azul (el enero de 1947) que trabajan con el Eddie Barclay .
Los años 1947 y 1948 encontró Byas en Barcelona, adonde él se movió para gozar del más barato de la vida y de la atmósfera próspera. Él encontró a muchos amigos y tenía un montón de trabajo. El Tete Montoliu del pianista hizo furtivamente en el club de Copacabana en Barcelona para oír al gran jugador de saxofón. Byas estaba en la tapa de su forma en estos años, realizándose con orquesta de s de Hilda Bernard '(el agosto de 1947), Francisco Sánchez Ortega, y Luis Rovira .
A partir de 1948 hacia adelante, Byas se convirtió en una figura familiar no sólo alrededor del Santo-Germán-DES-Prés en París, pero también en la Riviera, en donde él podría ser visto en el Santo-Tropez que se divertía una máscara, la tuba, aletas y un lanza-arma subacuático. El trabajo encontrado tenor, podía registrar regularmente y tenía muchos amigos. Adoraron no sólo su talento musical pero también sus habilidades en la tabla de piscina, como un deportista (pesca y salto) y cocinero que sirvieron para arriba menús del Luisiana-estilo a los admiradores numerosos (sobre todo señoras) que serían encontrados alrededor de este bon verdadero vivant. Cuando Maria Lou Williams fue a vivir en París a partir de 1952 a 1954, renovaron la amistad que formaron cuando jugaron juntos en la venda de la iglesia de Andrés en 1939-40 y más adelante en 1944. Registraron juntos en voga en 1953. Byas también registrado con el Booker del Beryl en el mismo año.
Vida posterior (1961-1972)
Byas volvió a poner a los Países Bajos y casó a muchacha holandesa. Él trabajó extensivamente en Europa, a menudo con los músicos americanos que viajaban tales como el arte Blakey, el Kenny Clarke, el Duke Ellington, Gillespie, jazz en el filarmónico, el brote Powell, y el Ben Webster . Él también registró con el Amália Rodrigues del cantante del Fado durante su tiempo en Europa. Byas no volvió los E. hasta 1970, apareciendo en el festival de jazz de Newport .
Él murió en Amsterdam, del cáncer de pulmón.
Curiosidades
El saxofón del tenor de Byas (comprado a su viuda) está en la exhibición en el instituto de universidad de Rutgers de los estudios del jazz.
Fuente: http://enciclopediaespana.com/Don_Byas.html

miércoles, 10 de noviembre de 2010

Jon Faddis


Este gran trompetista nacido en Oakland - California, un 24 de Julio de 1953. Es uno de los grandes del jazz contemporáneo, tal vez no ha tenido la trascendencia de otros de su genero, pero no se puede negar la calidad técnica e interpretativa que ha logrado con su trompeta.
Nacido en una familia de músicos, Faddis a los ocho años empezó a estudiar trompeta con un profesor particular. A los quince años empezó a estudiar con Bill Catalano, quien le introdujo con entusiasmo en la música del trompetista Dizzy Gillespie. Poco después estudio con Carmine Caruso y entre 1972 y 1973 con Mel Broiles en la prestigiosa escuela: "Manhattan School of Music". En 1975 perfeccionaría su estudios de piano, armonía y teoría bajo la guía de Stanford Gold.
A los trece años debutó tocando en público en su ciudad natal, Oakland con grupos locales de rhythm and blues. Tras terminar sus estudios entró a formar parte de la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton, con quien se marchó a New York a mediados de los años setenta y allí en la gran manzana tocaría sucesivamente con Thad Jones y el baterista Mel Lewis hasta 1975.
Con el arreglista Gil Evans, en 1976 se fue de gira por Europa durante cuatro años tocando regularmente en el club "Jamboree" de Varsovia y con el contrabajista Charles Mingus con el que llegó a grabar un disco. Su deseo fue siempre tocar al lado del hombre que desde adolescente le inspiraba, el trompetista Dizzy Gillespie, con cuya orquesta logró tocar a finales de 1979.Sus colaboraciones con músicos de talla como el contrabajista, Ron Carter, los pianista Oscar Peterson, Kenny Barron o Randy Weston, el guitarrista, Buck Pizzarelli o el organista, Charles Earland fueron muy importantes en su carrera. Su paso por la Mel Lewis- Thad Jones Orchestra como primer trompetista, le dio la oportunidad de darse a conocer en el mundo del jazz y fiel al estilo "gillespiano" de tocar, Jon Faddis se ganó a pulso una bien merecida fama de instrumentista virtuoso y desde luego una de las grandes trompetas de sección, por encima incluso de su papel como músico solista. Su disco "Legacy" grabado en 1985 para el sello "Concord" en homenaje a su maestro Dizzy Gillespie, quien escribe las líneas de la contraportada, es su obra cumbre como líder de sesión.
Si han visto la Pelicula The Brother Blues 2 - Los hermanos caradura- En el final de la misma, en la escena de competencia de bandas. Faddis es el trompetista de "los Caimanes de Louisiana", donde también tocan; Eric Clapton, B.B. King y Joshua Redman , entre otros.
Fuente: http://tallerdetrompeta.blogspot.com/2008/08/jon-faddis.html

sábado, 23 de octubre de 2010

Django Reinhardt


Jean Baptiste “Django" Reinhardt vino al mundo en la ciudad belga de Liverchies en Enero de 1910, en el seno de una familia gitana y no es aventurado decir que nació artista de los pies a la cabeza. Vivió gran parte de su vida en una carreta y haciendo nomadismo ya que su familia se dedicaba al espectáculo de la cabra y el oso amenizados con el violín del padre y su banjo. Ya a la edad de nueve años le dieron un premio en reconocimiento a su gran destreza con el banjo.
Uno de los acontecimientos que marcó su futuro como guitarrista le ocurrió a los 18 años, la carreta sufrió un incendio. Su primera mujer “ Bella “ se dedicaba a la venta ambulante de flores artificiales, éstas eran de un material inflamable y una noche que Django volvía de una de sus actuaciones debió de volcar una vela mientras dormía. Debido a éste, a Django le quedaron inmovilizados dos dedos de la mano izquierda, pasó año y medio en un hospital creyendo que su carrera como músico había terminado prematuramente, pero gracias a su constancia y sobre todo a su genio, consiguió superar la adversidad y pronto se convertiría en el virtuoso guitarrista que fue. Uno de sus hermanos le llevó al hospital una guitarra y desde entonces cambió el banjo por ésta que ya no dejó hasta el final de sus días, teniendo que inventar una nueva técnica de digitación acorde a sus facultades.
Existen documentos sonoros de Django antes del accidente tocando el banjo, acompañado por Jean Vissade (acc) y Francesco Cariolato (xyl) ó con Victor Marceau (acc).
Django se introduciría en el jazz por la escucha de Duke Ellington y Louis Armstrong y según sus propias palabras le atrajo porque en él encontró la perfección formal y la precisión instrumental que admiraba en la música clásica y la música popular no tiene. ¿No es ese, el mismo camino que nos ha llevado a muchos aficionados al jazz?
Otro de los acontecimientos importantes de su vida, éste feliz, fue el encuentro con Stephane Grappelli, ocurrió en 1931 en un club de Montparnasse, Django acudió a este club para escuchar al saxofonista André Ekyan que por entonces era la sensación del Paris jazzístico. Grappelli ya había escuchado a Django y éste quedó prendado del lirismo de su violín, se había producido el flechazo y a este matrimonio musical solo pudo disolverlo la 2ª Guerra mundial durante los años de su duración.
Por esas fechas lo conoció Jean Cocteau que escribiría: “ Esa guitarra que se ríe y llora, guitarra con voz humana.”
Los primeros frutos de esta unión fueron unos conciertos acompañando a la voz de Jan Sablon junto a A.Ekyan (sa), Eugene D’Hellemes (tbn), Michel Erner (p), S.Grappelli (vio) y D.Reinhardt (g). Esto ocurrió en 1934 y poco después, éste mismo año fundaría el Quinteto del Hot Club de Francia, grupo con el que obtendría fama y reconocimiento. La formación inicial del QHCF fue: Django (g) S. Grappelli (violín) Joseph Reinhardt (g) Roger Chaput (g) y Louis Vola (b) este grupo asombraría a toda Europa con sus grandes dosis de swing y la facilidad de Django para la improvisación que unida a su virtuosismo como guitarrista les haría merecedores del galardón de mejor banda del continente.
La 2ª guerra mundial les sorprendió en Londres donde se quedó Grappelli, volviéndose el resto del grupo a Francia. Mientras el resto de sus hermanos gitanos sufrió la persecución y los campos de concentración, ( Hay un excelente Cd dedicado a este tema a cargo de Christian Escoudé titulado “ A suite for gypsies “), Django consiguió ser el protegido de uno de los funcionarios de la administración nazi aficionado a su arte, a la vez y aunque sea paradójico a Django lo convirtieron en uno de los símbolos de la resistencia.
En los años que estuvieron separados Django y Stephane el violín de éste fue sustituido por un clarinete, tocado por Hubert Rostaing, sin duda influenciado por la orquesta de Benny Goodman.
Aún así, no crean que a Django se le subió la fama a la cabeza, siguió siendo el mismo personaje tímido de toda su vida como demuestra la siguiente anécdota referida en una entrevista hecha a S. Grappelli.
Había una señora de la alta sociedad parisina que acostumbraba a dar grandes fiestas, amenizadas por afamados músicos. En una ocasión los invitados eran Andrés Segovia y Django, habían pasado tres horas desde que el maestro de la guitarra clásica terminara su actuación y se esperaba la llegada de nuestro personaje, al fin éste apareció pero sin su guitarra y después de la negativa del maestro a prestarle la suya, hubo que ir en taxi en busca de una, aunque debió que tocar con un instrumento de muy mediocre calidad, al finalizar la actuación Andrés Segovia preguntó a Django como podría hacerse con esa música, refiriéndose a las partituras, Django le respondió, riéndose, que en ningún sitio, solo estaba en su cabeza ya que había sido una improvisación. No podía ser de otra forma ya que no sabía leer ni escribir, cuando menos música.
Con respecto a su guitarra, decir que empleó una Selmer, instrumento que diseñó a su medida el gran lutier italiano Maccaferri y que probablemente sin saberlo hizo la primera guitarra de jazz.
En los años siguientes Django compartió escenario con todos los jazzmen americanos que visitaron Paris. Coleman Hawkins, Bill Coleman, Benny Carter, Joe Turner etc etc. En 1946 viajó a Estados Unidos para hacer una gira como invitado especial de la orquesta de Duke Ellington de la que solo queda un documento sonoro gracias a George Steiner que colgó un micrófono en un palco del Chicago Civic Center.
Cuentan que en una de las actuaciones de esta gira dio plantón al mismísimo Duke. De camino al teatro se topó con unos billares, juego del que era gran aficionado, tanto se ensimismó con el billar que olvidó la cita con la música, llegando a la actuación cuando ésta había empezado.
De este viaje volvió un tanto decepcionado, pensando que la reacción del público americano no había sido todo lo acogedora que él imaginaba que sería. Por estos años Django tocó con una guitarra eléctrica, instrumento con el no llegaría a las cotas de virtuosismo conseguido con la acústica.
Siguió tocando unos años más con el QHCF y con las más prestigiosas estrellas del jazz que visitaban Francia, en 1948 dio unos conciertos con el gran Dizzy Gillespie, Django había asimilado la revolución del Be- Bop. Poco tiempo después se retiró a su ciudad natal dedicándose estos últimos años de vida a la pesca y a la pintura. De forma imprevista y debido a un fatal golpe le sobrevino una hemorragia cerebral que acabó con su vida en 1953 a los 43 años de edad.
Pero a Django lo mantienen vivo sus más de 250 grabaciones a 78 r.p.m y una legión de seguidores de su estilo, tanto gitanos: Bireli Lagrene, Bolou y Elios Ferré, Christian Escoudé, su hijo Babik como “payos “ René Thomas, Philip Catherine, Larry Coryell, Jim Hall, Jerry Garcia, Jeff Beck, Fred Sharp, Jonny Hepbir y un largo etcétera, existiendo por todo el mundo réplicas del Hot Club de Francia, donde en la actualidad puede escucharse su música: Holanda, Escocia, Italia, Australia, Canadá, en USA los hay en Chicago, San Francisco, New York...
Fuente: http://www.tomajazz.com/perfiles/Django_Reinhardt.htm

jueves, 14 de octubre de 2010

Manu Katché


El baterista francés Manu Katché se ha convertido en los últimos años en una de las referencias indiscutibles de su instrumento; y ello gracias tanto a su trabajo en el mundo del jazz (en las formaciones del saxofonista Jan Garbarek) como por sus trabajos con estrellas del pop (Sting , Youssou N'Dour y Peter Gabriel).
“Third Round” es el tercer CD que graba para el sello alemán ECM.
Las once canciones de este trabajo van entre el sonido ‘garbariano’ del saxofonista Tore Brunborg y la fusión entre el jazz y el pop del líder de la banda.
“Swing piece” es muy Garbarek, mientras que “Shine and blue”, una de las mejores piezas del álbum, se acerca al jazz-pop al igual que “Being Ben”.
Sólo la balada “Urban Shadow”, se aproxima al sonido ‘ecemaniano’.
Para grabar este disco Katché se ha rodeado de un grupo de excelentes músicos entre los que hay que destacar al pianista Jason Rebello, con quien trabajaron juntos para Sting; y el contrabajista Pino Palladino, con quien llevan 25 años trabajando juntos en diversos proyectos.
El álbum fue grabado en el sur de Francia en Diciembre de 2009 y editado este 2010, toda una autentica joya musical.
Fuente:http://melomanoalsur.blogspot.com/2010/07/manu-katche-third-round-2010.html

viernes, 1 de octubre de 2010

Joe King Oliver


Joe King Oliver, el jazz entre la fama y la indigencia
Escrito por Armando Fonseca el 7/07/10 • Categoria General, Internacional, Música
Joe Oliver nació el 19 de diciembre de 1885 en uno de los suburbios más pobres y miserables de Nueva Orleáns. A los quince años, la vida le juega una de tantas, robándole a su madre. Su media hermana, Victoria Davis, encomendaría a un tal señor Kenchen para enseñar al pequeño y huérfano Joe a tocar la corneta, quizás para hacerle olvidar la idea de que las madres también caen como cae el sol en los barrios de Nueva Orleáns. Joe, poco entusiasmado por la idea, se percata de sus evidentes carencias musicales. No obstante, con el tiempo, nota a nota, el joven se introduce cada vez con mayor profundidad en los estudios y en la técnica hasta ganar un puesto en la pequeña orquesta de amateurs formada por el propio señor Kenchen.
En una de esas giras musicales la vida le jugaría otra más: golpeado por una pandilla de bandidos y con una legendaria cicatriz ganada a causa del filo de una navaja, Joe Oliver decide dedicarse al jazz. No bastarían los embates de la vida para detenerlo, como tampoco bastarían las grises lecciones del señor Kenchen para convertirse en el “rey de la corneta”.

Dedicado al servicio doméstico y tocando para varias bandas como la Eagle Band o la Brown Skinned Babies de “Kid” Ory, estudia corneta con el famoso “Bunk” Johnson, quien lo nombraría, una noche en el Aberdeen, como el “King” de la corneta. Joe dejaría de ser llamado meramente Joe Oliver para convertirse de ahora en adelante en “King” Oliver. Incluso en Storyville llegaría a fundar su propia banda.
Los jazzistas de Nueva Orleáns tocaban, principalmente, en cabarets, bares y burdeles. Pero en 1917, ocurre un evento trascendente en la historia del jazz. Una nueva ley prohibe los permisos a cabarets y sucursales del placer para funcionar; ley que derivó en el desempleo de toda esa gente poco elegante que se ganaba la vida en aquellos lugares poco sofisticados. Una masa de músicos se vio en la necesidad de dejar su ciudad y dirigirse al norte, en busca de trabajo. No ocurre otra cosa al nuevo “Rey” de la corneta, que viaja hacia Chicago y se asienta en el South Side —un humilde barrio negro de la ciudad—. Después de tocar en dos orquestas diferentes, en el Royal Gardens Café y en el Dreamland, King Oliver se propone la creación de una nueva jazzband: la reconocida Creole Jazz Band.
Pocos años después de la Gran Guerra y de la prohibición, Chicago se sumergía en tiempos peculiarmente tóxicos y alegres; el alcohol se bebía el frío de la noche, abrigaba los cuerpos y embriagaba las almas que no querían irse a dormir hasta el alba; el humo del cielo nublado se confundía con el humo del tabaco, mientras la gente se desvivía en la bebida, el baile y la agresiva melodía de las jazzbands. Es dentro de este contexto que King Oliver organiza, en Illinois, la Creole Jazz Band. King contrata para el piano a la joven Lil Hardin —futura esposa de Louis Armstrong—, a Johnny Dodds para el clarinete, para el trombón a Honoré Dutray, para el contrabajo a Ed Garland y para la batería a Minor Hall, siendo éste último sustituido por Baby Dodds al momento del arribo de la banda en San Francisco. Pero la Creole Jazz Band todavía no estaba completa sin uno de los destacados talentos emergentes, proveniente de Nueva Orleáns, a saber: el extraordinario cornetista Louis Armstrong.
En la mejor época de la Creole Jazz Band aparecen treinta y siete obras propias recopiladas en diversas grabaciones para los sellos Paramount y Geneett Records. King Oliver pone en marcha una importante recuperación de melodías folklóricas texanas y de Luisiana —cuyo ejemplo más transparente es la florida Just Gone—, tomando varias de sus características para la creación de sus propias obras. Es por eso que la mayoría de sus marchas y blues tienen el encanto, la sazón, de aquella Nueva Orleáns desgarrada por los altos contrastes económicos.
Entre las obras más reconocidas de la Creole Jazz Band destaca Canal Street Blues, una de las pocas obras en la que se logra una solidez sin igual en el tejido de los tiempos, solidez que la banda pocas veces logró. Al igual que en las demás piezas, Canal Street Blues toma aspectos del estilo de Nueva Orleans. En el two beat folklórico —ritmo en dos tiempos que desaparece bajo los cuatro tiempos del contrabajo en el jazz clásico—, el bombo y la grave mano izquierda del piano, se acentúan ciertos tiempos en la línea de la melodía, que bien podrían ser interpretados como el sonido de los pies golpeando el suelo en una alegre caminata, incansable, por los suburbios de Luisiana. Pero al igual que la caminata del Canal Street Blues, la caminata del Rey terminaría pronto, en dos tiempos.

Cuando Louis Armstrong y Johnny Dodds abandonan a King Oliver, en los últimos meses de 1923, los discos de la Creole Jazz Band dejan de brotar y el mismo King funda una nueva banda: los King Oliver’s Syncopators. Indudablemente, una vez fuera la mayoría de miembros de la Creole, fue una banda destinada al fracaso; la numerosa orquesta —comparada con la anterior— sólo podía emitir el sonido de cobres cerrados y gangosos, de melodías monótonas que rayaban en la comicidad o el aburrimiento. La última banda en forma de King Oliver no tenía aquella chispa que sí brillaba en la Creole, y aunque en la Creole Jazz Band faltara algunas veces un poco de técnica y en otras un poco de elegancia, nunca faltó, entre nota y nota, la vitalidad y la energía.
Después de giras desastrosas, entre 1931 y 1935, el “rey de la corneta” es asechado de nuevo por la miseria. Enfermo e incapaz de tocar nuevamente, Joe escribe sus cartas con palabras tristes. Tal vez experimentó lo que había olvidado en su niñez y olvidó que las personas caen como el sol sobre las calles de la lastimada Nueva Orleáns: él mismo estaba cayendo. El 10 de abril de 1938, en Georgia, Joe, enfermo, muere en completo estado de indigencia y miseria, mientras trabajaba en el servicio de limpieza de una alberca pública. Ni si quiera la familia tuvo el dinero suficiente para comprar la lápida en la qué grabar el nombre de este peregrino del jazz.
Joe Oliver se convirtió en “King”, y al final detuvo su caminata antes del amanecer de una nueva época de la historia del jazz. Al desaparecer King Oliver terminó, también, el jazz esencialmente polifónico y se abrió el campo al jazz de las individualidades. Louis Armstrong, con trompeta y voz propia, se asomaba a escena con un gran éxito e inigualable calidad musical.
Fuente: http://www.revistamilmesetas.com/joe-king-oliver-el-jazz-entre-la-fama-y-la-indigencia

martes, 28 de septiembre de 2010

Jimmy Cobb


Jimmy Cobb
El hombre que estuvo allí
Por Sergio Zeni *
Tras presentar su Kind of Blue at 50 en el VI Festival de Jazz de Peñíscola, Jimmy Cobb concede unos minutos a la prensa acreditada en el Palau de Congressos. El octogenario baterista lleva una semana agotadora pero el entusiasmo con el que ha asumido este proyecto aún le da fuerzas para mantener una pequeña charla de madrugada, horas antes de partir para Almuñécar.

En su camerino, acompañado por una cerveza y con una gorra que no se quita en ningún momento, Cobb habla de la importancia de Kind of Blue, un éxito que aún hoy no sabe muy bien cómo explicar.
"Kind of Blue es importante porque vendió muchos discos y, desde luego, por la calidad de su música. Más allá de esto no sabría decir por qué, realmente no sé cómo llegó a ser tan importante. En aquel momento estaban Duke Ellington, Count Basie y un buen puñado de big bands haciendo mucha música. Sin conocer bien el negocio, yo siempre pensé que ellos vendían muchos discos, pero llegó Miles y los barrió a todos. Es difícil de creer, pero así fue. No sé cómo ocurrió. Miles siempre sacaba buenos discos, y éste consiguió llegar a lo más alto. Es algo que no había ocurrido antes… He de decir que Miles hizo un montón de buenos discos, discos que me gustan mucho, por lo que me resulta difícil explicar por qué éste llegó más alto que otras grabaciones suyas, como Sketches of Spain, Porgy and Bess, Birth of the Cool… Es posible que Kind of Blue llegara cuando todo el mundo estaba preparado para cosas de este estilo".
Preguntado por los que él considera verdaderos genios del jazz, el baterista repasa los grandes nombres del género hasta detenerse en Parker y Gillespie. “Hay mucha más gente” dice como disculpándose por no mencionar a ningún músico más. "Cuando tienes ochenta años sueles conocer a mucha gente, pero también olvidas muchos nombres".
El recorrido bien podría continuar incluyendo a otros con los que él ha tocado: Dinah Washington, Billie Holiday, Cannonball Adderley, John Coltrane, Wes Montgomery, Sarah Vaughan, J.J. Johnson, Hank Jones, Ron Carter, George Coleman, Dave Holland… Una buena parte de la historia del jazz ha tenido a su lado a Jimmy Cobb con sus baquetas.
Le pregunto qué fue lo primero que pensó a la hora de elegir a los miembros de la Jimmy Cobb’s So What Band, qué idea impulsó el proyecto.
La idea fue de mi mujer.
Tras una ligera pausa en la que percibe mi sorpresa, Cobb continúa…
Sí… a ella se le ocurrió la idea de combinar la celebración de mis ochenta años con los cincuenta de Kind of Blue. Fue ella quien se puso en contacto con la gente de las agencias de contratación. A ellos les gustó la idea, decidieron emprender el proyecto y nos sugirieron nombres de músicos para la banda.
Jimmy Cobb, el hombre que estuvo allí, en las sesiones de 1959 (año en el que además fue convocado por Coltrane para registrar nada menos que Giant Steps), habla con la humildad de un sideman, como si su liderazgo en este proyecto fuese sólo una cuestión publicitaria.
Dentro de cincuenta años, usted probablemente tendrá otros asuntos que atender. ¿Qué les recomendaría a los músicos que vayan a celebrar el centenario de Kind of Blue?
Bueno, creo que Kind of Blue seguirá siendo algo fuerte. Es un clásico… como Beethoven. Kind of Blue es el equivalente a Beethoven en el jazz. Desde la primera vez que lo escuché tengo la misma sensación. Dentro de 50 años seguirá siendo un clásico. Cuando he vuelto a tocar y a escuchar esta musica he tenido el mismo sentimiento que la primera vez. Especialmente porque estuve allí y conocí a todos los que participaron. El mismo sentimiento que yo tengo, lo tiene otra gente. Muchas de las personas con las que hablo me dicen que empezaron a interesarse por esta música gracias a Kind of Blue.
Hoy se cumplen cincuenta años de la muerte de Billie Holiday ¿qué imagen recuerda usted con mayor fuerza de Lady Day?
Tuve ocasión de tocar con Billie cuando todavía vivía en casa de mis padres porque yo tocaba en el cuarteto de su pianista, Carl Drinkard. Cuando ella venía a cantar allí, Carl la acompañaba en trío. Yo tenía entonces 18 años y aquello supuso algo verdaderamente importante para mí, algo grande.
Tuve un montón de buenas experiencias antes de irme de casa. Comencé a tocar la batería cuando tenía 14 ó 15 años. Empecé tarde si lo comparas con otra gente. La mayoría de los grandes bateristas empiezan mucho antes. ¡Buddy Rich empezó a los tres años tocando en un vodevil con su madre y su padre y dando saltos encima del público!
Consultado sobre si sigue de cerca la aparición de nuevos bateristas, Cobb nos cuenta que lo que le ha sorprendido últimamente es la irrupción de algunas chicas como Terry Line Carrington: “Cuando las oyes tocar sabes que son ellas”.
¿Qué es lo más grande y lo más duro de ser baterista de jazz?
Lo más duro es lo que hicimos hoy. Levantarnos en Estocolmo a las cinco de la mañana, coger dos vuelos, tocar aquí durante dos horas. Y mañana volver a hacer lo mismo… probablemente eso es lo más duro. Puede ser extenuante. Pero por otro lado es fácil porque te gusta tocar, te gusta actuar con tu grupo. Supongo que eso, hacer lo que te gusta, es lo más grande.
Los minutos concedidos llegan a su fin. Cobb debe marchar a descansar unas horas antes de volver a la carretera. ¿Qué motiva a este hombre, con actuaciones ya confirmadas para el 2010, a seguir en la brecha?
"No podría retirarme. ¿Retirarme a qué? No sé hacer otra cosa".
* Con la colaboración de Carlos Lara (Tomajazz) y Armand Llàcer (Castelló Cultural).
© Cuadernos de Jazz, 2009
FUente: http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=281:jimmy-cobb&catid=10:general&Itemid=11

viernes, 17 de septiembre de 2010

sábado, 4 de septiembre de 2010

Dave Liebman


Saxofonista tenor, soprano, flautista clarinetista y compositor, Dave Liebman (New York, 1946) empezó a estudiar música por su cuenta con Joe Allard entre 1962 y 1966 y una vez hecha la base, perfeccionó lengüetas con Charles Lloyd entre 1966 y 1968, al tiempo que cursaba estudios de historia. En 1970, fue miembro del grupo "Ten Wheel Drive" luego tocó con el baterista, Pete La Rocca y de 1970 a 1973 con el grupo de Elvin Jones.
En 1972 colaboró en el disco "On the Corner" con Miles Davis, quedándose con el trompetista entre 1973 y 1974, grabando varios discos y participando en varios festivales. Al año siguiente tocó y grabó en Japón con la cantante, Abbey Lincoln y en 1974, fundó junto a otros músicos la "Free Life Communication" y finalmente consolidó su carrera cuando dirigió entre 1973 y 1976 el combo "Lookout Farm" con Richard Beirach, al piano, John Abercrombie, a la guitarra, Frank Tusa o Gene Perla al bajo, Jeff Williams, a la batería y Badal Roy, a la percusión.
Ya en la década de los ochenta grabó con el fenomenal contrabajista danés, Niels New-Orsted Pedersen y sus discos para varios sellos discográficos empezaron a proliferar. Discípulo indisimulado del genial John Coltrane, su pulidísima dicción y su gran coherencia en los solos, le ha valido para ser hoy uno de los grandes instrumentistas del jazz moderno.

David Liebman was born in Brooklyn, New York on September 4, 1946. He began classical piano lessons at the age of nine and saxophone by twelve. His interest in jazz was sparked by seeing John Coltrane perform live in New York City clubs such as Birdland, the Village Vanguard and the Half Note. Throughout high school and college, Liebman pursued his jazz interest by studying with Joe Allard, Lennie Tristano and Charles Lloyd. Upon graduation from New York University (with a degree in American History), he began to seriously devote himself to the full time pursuit of being a jazz artist.
In the early 1970s, Liebman took the leading role (as President) in organizing several dozen musicians into a cooperative, Free Life Communication which became an integral part of the fertile New York “loft” jazz scene in the early 1970s and was funded by The New York State Council of the Arts and the Space for Innovative Development. After one year spent with Ten Wheel Drive, one of the early jazz fusion groups, Liebman secured the saxophone/flute position with the group of John Coltrane’s drummer, Elvin Jones. Within two years, Liebman reached the zenith of his apprenticeship period when Miles Davis hired him. These years, 1970-74, were filled with tours, recordings and the incredible experience gained by being on the band stand with two masters of jazz. At the same time, Liebman began exploring his own music-first in the Open Sky Trio with Bob Moses and then with pianist Richie Beirach in the group Lookout Farm. This group recorded for the German based ECM label as well as A&M Records while touring the U.S., Canada, India, Japan and Europe. Lookout Farm was awarded the number one position in the category “Group Deserving of Wider Recognition”in the 1976 Downbeat Magazine’s International ...

Fuentes: http://www.apoloybaco.com/daveliebmanbiografia.htm
http://www.allaboutjazz.com/php/musician.php?id=8748

domingo, 29 de agosto de 2010

Lewiston Jazz Festival


La gente The Village of Lewiston durante dos días disfruta del mejor jazz de manera gratuito, a perte de disfrutar en pab y restaurantes de buenos momentos.-
A modo de recuerdo, dejamos testimonio de la actuación de Thom Rotella en el Lewiston Jazz Festival 2004 y transcribimos la presentación de la página web del festival.
JOIN US FOR AN UNFORGETTABLE JAZZ EXPERIENCE!
The Historical Lewiston Jazz Festival enters its ninth year on August 27th and 28th 2010. Jazz musicians will perform throughout the Village of Lewiston, NY in numerous restaurants and pubs -- as well as at a variety of outdoor sites along Center Street -- on Friday evening and all day Saturday. All jazz performances are FREE to the public.
In addition to enjoying jazz performed by world-class musicians, attendees at this FREE event can browse for treasures at a premier jewelry show, view Jaguars and other classic cars at a vintage car show, and sample a wide array of culinary delights provided by local restaurants and regional wine producers. This Festival is hosted by the Lewiston Jazz Festival, Inc., and the Town and Village of Lewiston.
Fuente: http://www.lewistonjazz.com/


lunes, 16 de agosto de 2010

Don Byron

Don Byron (Nueva York, 8 de noviembre de 1958) es un clarinetista, saxofonista y compositor de jazz.
Hijo de un cartero que tocaba como divertimento en algunas ocasiones el bajo en una banda de calipso y de una profesora de piano. Su afición al clarinete se debe a que de niño, un pariente suyo se olvidó su instrumento en casa de los padres de Byron, y como sufría de asma le recomendaron probrar con un instrumento de viento para mejorar su capacidad pulmonar. En su Bronx natal residió junto a una sinagoga judía, y la música que escuchaba en las fiestas lo marcó de por vida. Comenzó sus estudios musicales con el clarinetista Joe Allard para luego inscribirse en el New England Conservatory en Boston; una vez allí estudió con George Russell. Poseedor de un estilo vanguardista, se diferencia por aventurarse a tocar diferentes ritmos y tipos de música como klezmer, clásica, rap, salsa, funk, o música infantil.

Su reconocimiento internacional llegó por la sorpresa de que un músico negro (y no judío) tocara klezmer, convirtiéndose en uno de los referentes más importantes de este género en la década de 1980, y trascendiendo su trabajo y sus intereses por todo lo referente a la música, sin distinción de estilo.
También se destaca su trabajo en el ambiente de las artes escénicas dado que ha sido el director artístico de jazz de la Brooklyn Academy of Music, arregló la música de varios espectáculos musicales de Broadway, algunas piezas para Kronos Quartet. Además interpretó la banda sonora en el film Kansas City dirigido por Robert Altman y en Lulu on the Bridge de Paul Auster. En 2002 actuó y tocó en Strange Fruit, un documental sobre conflictos raciales en la década de 1930.
Analizando su disco "Romance with the unseen", Don Byron no toma un estilo en particular o la figura de un músico para hacer sus magníficas relecturas sino que pone el acento en la ejecución de su clarinete. Asi el resultado son estas magistrales sesiones de post-bop para las que cuenta con la participación de Bill Frisell, utilizando toda su amplia paleta de colores, Drew Gress y el histórico Jack DeJohnette. De todos modos, y tratándose de Byron, no quiere decir que no haya espacio para la variedad estilística que incluye en el comienzo una composición de Duke Ellington, A Mural from Two Perspectives, en un infrecuente acercamiento a un jazz straight-ahead, más no con el tratamiento que le dedicara a este autor en Bug Music (Nonesuch, 1996); Perdido, un standard donde revitaliza el be-bop; una naif versión de I'll Follow The Sun, de Lennon-McCartney; y composiciones propias más extensas como Bernhard Goetz, James Ramseur and Me y Homegoing identificables con un jazz actual. (Blue Note, 1999).
Fuentes: http://www.lastfm.es/music/Don+Byron
http://jazzparadescargar.blogspot.com/2008/09/don-byron-romance-with-unseen.html

viernes, 13 de agosto de 2010

Fats Waller


El padre de Fats Waller, Edward, era un predicador Bautista que dirigía servicios religiosos al aire libre en Harlmen, y en donde, siendo un niño tocaba el órgano. Tocaba el piano en la escuela pública a la que asistía y a los 15 años se convirtió en el organista del Teatro Lincoln sobre la Avenida 135. Su padre esperaba que Fats siguiera el llamado religioso antes que la carrera de jazz, pero luego de la muerte de su madre Adeline en 1920, se mudó con la familia del pianista Rusell Brooks.
Waller conoció a James P. Jonson, bajo cuya tutela se desarrolló como pianista y, a través de cuya influencia, comenzó a hacer rodajes de piano, comenzando en 1922 con "Me voy a enfriar a mis perritos".
Hay evidencia que sustenta la afirmación de Fats de que sus años de formación como músico estudió la técnica del piano con Leopold Godowsky y composición con Carl Bohm en la escuela Juilliard. En Octubre de 1922, Waller hizo su primera grabación como solista para Okeh con Muscle Shoals Blues and Binningham Blues. Comenzó una serie de grabaciones durante el mismo año como acompañante de varios cantantes de blues, incluidos Sara Martin y Alberta Hunter. En 1923, una colaboración con Clarence Williams permitió la publicación de "Los blues del gato salvaje", la misma que grabaron Williams, en su Blues Five y Sydney Bechet, entre otros. Otra de sus composiciones, "Exprimime", fue publicada el mismo año; estas grabaciones comenzaron a establecer la reputación de Waller como compositor de material presentado y grabado por otros artistas.
En ese mismo año debutó en la televisión para Newark, una estación local, a lo que le siguió repetidas apariciones en WHN de Nueva York. En 1927, Waller grabó su propia composición Whiteman Stomp junto a la orquesta de Fletcher Henderson. Además, Henderson hizo usos de otros trabajos de Fats, incluyendo “Loco por mi bebe" y “Robando manzanas”. Luego realizó otros trabajos como compositor junto a los letristas Edgar Dowell, J. C. Jonson y Spencer Williams.
Con Razaf trabajaron en gran parte de la orquestación del musical Keep Shufflin’ (1928) para un espectáculo de Broadway. Sus colaboraciones posteriores para el escenario incluyen los shows "Load of Coal" y "Chocolates calientes", la cual se estrenó en Mayo de 1929 y fue transferida a Broadway el 20 de Junio donde se le incorporó la canción Ain’t Misbehavin’ como vehículo primero para Cab Calloway y más tarde para Louis Armstrong. El debut de Waller en el Carnegie Hall tuvo lugar el día 27 de Abril de 1928, donde fue solista de piano en una versión de la fantasía de Jonson, Yamekraw, para piano y orquesta.
A mediados de 1930, trabajó en la costa oeste con la banda de Les Hite en el New Cotton Club de Frank Sebastián. Además, apareció en dos films de Hollywood en 1935. Hacia 1938, emprendió un tour por toda Europa, grabando en Londres con su Ritmo Continental, del mismo modo que hacía grabaciones en órgano de tubos para el sello HMV.
Su segundo tour europeo en 1939 finalizó a causa del estallido de la guerra, pero mientras tanto en Gran Bretaña, grabó su Suite de Londres, una serie extendida de seis piezas para piano solo: Piccadilly, Chelsea, Soho, Bond Street, Limehouse y White Chapel.
Esta es la composición más extensa de Fats y representa una gran parte de su aspiración a convertirse en un compositor serio, más que, simplemente, el autor de unas cuantas canciones exitosas. Los últimos años de su vida están repletos de frecuentes grabaciones y extensos viajes a lo largo de los Estados Unidos. A comienzos de 1943, regresó a Hollywood para hacer el film “Clima tormentoso” con Lena Horne y Bill Robinson, en el cual el dirige a bandas de super estrellas, incluyendo a Benny Carter y Zutty Singleton. Durante su visita a la costa oeste para presentarse como solista de piano en el Zanzíbar Room, en Hollywood, se enfermó gravemente. Falleció de neumonía mientras viajaba de regreso a la ciudad de Nueva York en tren con su manager Ed Kirkeby.
Fuente: http://www.pianored.com/waller.html

Heineken Jazzaldia

Balance muy positivo del 45 Heineken Jazzaldia, al que han asistido 106.000 espectadores.
El concejal de Cultura y Juventud del Ayuntamiento de San Sebastián, Denis Itxaso, y el director del Heineken Jazzaldia, Miguel Martín, han ofrecido hoy una valoración de la 45ª edición del Festival, a la que han asistido algo más de 106.000 espectadores, entre los conciertos de pago y los gratuitos.
Denis Itxaso ha destacado la integración del Festival en el entorno urbano de San Sebastián, mientras Miguel Martín ha valorado la elevada calidad artística de los conciertos y la respuesta del público.
El 45 Heineken Jazzaldia fue clausurado con un magnífico concierto en la Plaza de la Trinidad de Kris Kristofferson en la primera parte y Elvis Costello & The Sugarcanes en la segunda. Ambos ofrecieron además conjuntamente tres canciones a un público entregado.

viernes, 6 de agosto de 2010

Caramoor Jazz Festival 2010

Les presentamos el Caramoor Jazz Festival 2010(http://www.caramoor.org/festival/jazz).-

sábado, 31 de julio de 2010

Ron Carter


A fines del siglo XIX, el escritor y humorista inglés Max Beerbohm escribió un elogio del Bello Brummel, amigo de príncipes y árbitro de la moda. Descubría en su ensayo el primer objetivo del dandismo moderno: producir el efecto supremo con los recursos menos extravagantes. De ahí deriva ese recato que el dandy eleva al rango de estética. De ahí, también, el dandismo que caracteriza al contrabajista Ron Carter, cuyos rasgos musicales y personales son el control extremo, la reticencia, el desdén por el exceso y la tendencia a no tocar nunca más de lo necesario. La imagen misma de Carter, la elegancia y solemnidad de su figura (más de una vez lo contrataron para hacer publicidades de pipas y de ropa), corroboran visual, frívolamente, esa marca estética.
Como suele pasar, el primer instrumento de Carter no fue el definitivo. O sí, porque nunca lo abandonó del todo. Entre los diez y los quince años, en Michigan, donde nació en 1937, Carter estudió cello. Rápidamente advirtió que los negros no eran bienvenidos en el diáfano mundo de la música clásica. Saltó entonces de instrumento y de género; empezó a tocar el contrabajo, estudió en Nueva York y colaboró con Chico Hamilton, Eric Dolphy y Cannonball Adderley. En una época en que emergían contrabajistas notables como Reginald Workman, Scott LaFaro o Gary Peacock, con Oscar Pettiford todavía vivo y Charles Mingus en uno de sus mejores momentos, Carter era ya un intérprete con una técnica pasmosa con arco y pizzicato. El sonido pleno, más bien terso y voluminoso, la morosidad, la elasticidad, el estiramiento de las notas, la pericia para acomodarse a todo tipo de complejidades rítmicas, la profusa inventiva melódica: todo eso, sumado a su formación en la música clásica, fue posiblemente lo que decidió a Miles Davis a convocar a Carter para que integrara la sección rítmica del nuevo grupo que estaba formando desde cero, luego de la época de Kind of Blue y la aparición del jazz modal, donde ya estaban el pianista Herbie Hancock y el baterista Tony Williams. “Paul [Chambers] ya me había dicho que era un hijo de puta como bajista. Lo conocí en una actuación en Detroit. Él estudiaba en la Escuela de Música Eastman. Volví a verlo en Toronto unos años después y me acuerdo que hablaba mucho sobre lo que nosotros tocábamos. Ya graduado, vino a Nueva York y lo vi con Art Farmer y Jim Hall. Le pregunté inmediatamente si quería unirse a la banda”, recordaría Miles Davis muchos años más tarde. La incorporación al poco tiempo de Wayne Shorter en saxo tenor consolidó uno de los quintetos más importantes de la carrera de Davis –el otro fue el que había formado hacia 1955 con John Coltrane– y uno de los grupos más influyentes de la historia del jazz, el mismo que dio origen a discos insoslayables como ESP, Nefertiti o Miles Smiles. Aparte de estos registros fundacionales, Carter dejó su sonido en un puñado de discos emblemáticos de ese jazz de los ’60 procreado al amparo del sello Blue Note: Speak No Evil de Shorter, Maiden Voyage de Hancock y The Real McCoy de McCoy Tyner.
Disuelto el quinteto hacia el final de la década del ’60, el itinerario de Carter no tuvo el brillo de otros músicos que pasaron por la “escuela Miles” (Dave Holland es un ejemplo notable). Más tradicionalista, tampoco se electrificó. Se dedicó a la enseñanza, ejecutó un nuevo instrumento –el contrabajo piccolo–, lideró un cuarteto que tenía a Kenny Barron como pianista; y –dato meramente estadístico aunque no desdeñable– se convirtió en el bajista con mayor número de grabaciones en su haber: algunos calculan quinientas, pero según Carter superan las mil.
La última como líder se llama Stardust y es del 2002. “Me siento muy feliz con este nuevo cd”, comenta Carter. “Pero en realidad todos mis discos son una forma de felicidad: cada uno representa un momento importante de mi vida.” Y entre los picos más altos de esa felicidad, ya no como sideman sino como solista, se impone mencionar dos. En el Concord Jazz Festival, un lugar probadamente favorable a la producción de obras maestras (Phil Woods, por ejemplo, registró Bop Stew), Carter grabó suTelephone (1984), formidable disco de dúos con el guitarrista Jim Hall. Y un año después alcanzaba otra de sus cumbres: State of Tenor (1985) con el saxofonista Joe Henderson.
Ahora, volcado al conservadurismo, Carter no demuestra demasiado entusiasmo por los músicos jóvenes, salvo por los que integran su cuarteto actual. “La verdad es que no tengo demasiado tiempo para examinar lo que están haciendo los músicos más recientes. En este momento de mi vida trato de que escuchar música sea una experiencia ligada a la alegría y el placer.” Pero agrega, abriendo una distancia crítica con el jazz de los ‘60: “Los músicos tocan menos que antes, y sets cada vez más cortos. Lo que disminuye y desacelera el desarrollo de su destreza técnica y compositiva, de la interacción con la banda y de su calidad como músicos, así como menoscaba al género. En general, creo que están en un período de formación”.
Fuente: http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/radar/9-689-2003-04-13.html

domingo, 25 de julio de 2010

Heineken Jazzaldia - Sweet Billy Pilgrim


Sweet Billy Pilgrim, otro gran Concierto Secreto del Heineken Jazzaldia
Liderado por el guitarrista y cantante Tim Elsenburg, colaborador habitual en los discos y giras de Steve Jansen y David Sylvian, Sweet Billy Pilgrim se han convertido en una de las sorpresas del panorama musical británico tras su nominación a Mejor Album (Twice Born Men) en los Mercury Prize 2009.
Twice Born Men salió en marzo de 2009 en el sello de David Sylvian, Samadhisound, lo cual ya significa todo un aval para el grupo, y dice mucho acerca de sus afinidades artísticas. Entre todos los discos nominados es el único donde aparece un lavavajillas afinado compartiendo sonido con un banjo électrico y una Stratocaster distorsionada.
Sweet Billy Pilgrim tienen reminiscencias a Blue Nile de su época de Peace at Last, ecos de los King Crimson más recientes y toques de Elbow. La respuesta a sus mp3 de acceso gratuito ha sido impresionante, sobre todo para el tema Forget to Breathe, que sólo está disponible online.
En 2010 el esfuerzo de los últimos años está dando sus frutos y el grupo ha sido solicitado para acompañar a Jamie Cullum en su gira por Europa, compartir escenario con The Who en un festival benéfico y realizar una gira con la cantante maliense Rokia Traoré, entre otras muchas colaboraciones.

jueves, 22 de julio de 2010

Art Blakey


Art Blakey (1919-1990), batería estadounidense, líder del grupo Jazz Messengers, y uno de los mejores músicos de jazz de la posguerra. Se cambió el nombre a Abdullah ibn Buhaina tras convertirse al islam.
Nació en Pittsburgh, Pensilvania, y aprendió a tocar el piano de forma autodidacta cuando era un adolescente, mientras se ganaba la vida trabajando en una fundición de acero. A principios de la década de 1940 cambió el piano por la batería y se trasladó a Nueva York, donde tocó en diferentes orquestas, entre ellas en la de Fletcher Henderson. Actuó junto a Billy Eckstine desde 1944 hasta 1947, y durante este tiempo conoció a pioneros del bebop como Dizzy Gillespie y Charlie Parker, y a cantantes como Sarah Vaughan y Billie Holiday. En la década de 1950, y junto al pianista Horace Silver, al trompetista Clifford Brown y a otros músicos, grabó el álbum A Night at Birdland (1954), que supuso el nacimiento de un derivado del bebop menos severo y con matices de gospel que llegó a conocerse con el nombre de hard bop. El grupo adoptó el nombre de Jazz Messengers y por él pasaron muchos de los mejores músicos de jazz durante las cuatro décadas posteriores, entre los que destacan Donald Byrd, Freddie Hubbard, Wayne Shorter y Keith Jarrett.
La sensibilidad musical de Blakey y su enorme poder de atracción son la combinación perfecta tanto para responder a la peculiar
Fuente;http://www.arteyestilos.net/index.php?option=com_content&view=article&id=179:art-blakey&catid=43:biografias-de-musicos&Itemid=59

domingo, 18 de julio de 2010

John McLaughlin


John McLaughlin es uno de los más grandes guitarristas de la historia del Jazz y el Rock (considerado por muchos conocedores el mejor). Nacido en Yorkshire (Inglaterra) el 4 de enero de 1942. Su primera banda, Mahavishnu Orchestra, ocupa dentro de ésta un sitial de honor, a pesar de su breve existencia. Reconocido como el grupo fusión predominante, la Mahavishnu Orchestra fue considerada por muchos observadores durante sus inicios como una banda de rock, pero sus sofisticadas improvisaciones colocaron su poderosa música entre el rock y el jazz. La historia de esta legendaria agrupación, que fue como una estrella fugaz en el inmenso firmamento engendrado del bing bang musical ocurrido a finales de los 60’s, y que brilló con una intensidad inusitada durante su breve existencia de 5 años, está estrechamente ligada a la de su líder y fundador. McLaughlin, nacido en 1942, arribó a Estados unidos procedente de Gran Bretaña a principios de 1969, siendo conocido solo en un selecto círculo de músicos y admiradores. A finales de ese año, era internacionalmente aclamado como intérprete. Al llegar se unió a un nuevo trío liderado por el prodigioso y talentoso Miles Davis y el baterista Tony Williams. Su contribución como músico y coautor en la banda fue determinante en la creación de un nuevo mundo musical, donde se fusionaba la exigente improvisación del jazz con el Rock’n’Roll, terrenos donde ninguna otra banda se había adentrado. Los dos años siguientes fueron de actividad sísmica musical, en el que se produjeron dos álbumes: In A Silent Way y Bitches Brew. Con esa experiencia y conocimientos adquiridos a cuestas, y su talento inigualable, John Mc Laughlin formó en 1971 la Mahavishnu Orchestra. En esa época era discípulo del gurú hindú Sri Chinmoy, quien le antepuso el nombre de Mahavishnu. La primera formación, considerada la mejor de todas, estaba integrada además por Billy Cobham (batería y percusión), Jerry Goodman (violín), Jan Hammer (teclados) y Rick Laird (bajo). Al poco tiempo la banda estaba tocando en grandes escenarios y estadios, con las bandas de rock de teloneros, y una audiencia de jazz y rock que respondía con éxtasis y admiración a un virtuosismo desgarrador, ensambles vertiginosos, pasajes tranquilos y relajantes, y melodías atonales y en clave menor, tomadas en gran parte de la India. Esta formación grabó durante 1971-73 tres intensos álbumes en estudio para la Columbia, y uno de los más potentes álbumes en vivo de todos los tiempos: Between Nothingness And Eternity. En el tercer disco, Love, Devotion And Surrender, McLaughlin colaboró con Devadish Carlos Santana, otro discípulo de Sri Chinmoy. Entonces, en un giro inesperado, McLaughlin reformó completamente la banda creando una segunda versión de ésta en 1974, con el violinista Jean-Luc Ponti, Gayle Moran (teclados y voz), el bajista Ralphe Amstrong y el baterista Narada Michael Warden, grabando dos álbumes. En 1975 Stu Goldberg remplazó a Moran y Ponti abandonó el grupo. Esta última encarnación de la banda grabó el célebre álbum Inner Worlds, antes del colapso definitivo, motivado por el acercamiento cada vez mayor de McLaughlin a la religión hindú y a la guitarra acústica. En 1975, McLaughlin formó con el violinista hindú Leo Shankar (hijo del celebre Ravi Shankar, maestro de la cítara) el quinteto acústico Shatki, estableciendo conexiones entre estilos acústicos y música de influencia hindú. Posteriormente, aún en la onda acústica, incursionó en el world music, particularmente en el flamenco-jazz, con el más celebre trío de guitarra que haya existido, incluyendo a Al Di Meola (Return To Forever) y Paco De Lucía. Luego de girar y grabar con este trío, formó un dueto con la pianista Katia Labeque y grabó un disco solista en el que se reencontró con la guitarra eléctrica. Entonces, en 1984, surgió lo inevitable: renació la legendaria Mahavishnu Orchestra, con Cobham, el saxofonista Bill Evans, el tecladista Michael Forman, el bajista Jonas Hellborg y el percusionista Danny Gottlieb, grabando el último álbum de la banda: Mahavishnu, editado por la Warner Brother. Este intento de revivir las glorias pasadas fracasó, debido al escenario de mediocridad musical que invadió la década de los 80’s, impidiendo el desarrollo de la música virtuosa. A partir de entonces, John McLaughlin se dedicó a sus trabajos solistas, entre ellos el John McLaughlin Trio, colaboraciones con músicos de Jazz, y más recientemente la reunión del trio McLaughlin-Di Meola-De Lucia.
Fuentes: http://www.apoloybaco.com/johnmaclaughlinbiografia.htm
http://www.guitarraonline.com.ar/wiki/index.php/John_McLaughlin