miércoles, 26 de diciembre de 2012

XII del Festival Internacional Providencia Jazz


Veintiuno son los artistas invitados para la versión XII del Festival Internacional Providencia Jazz que se realizará los días 9, 10 y 11 de enero, como ya es tradicional, en el Museo Parque de las Esculturas ubicado en la ribera norte del río Mapocho, entre los puentes Pedro de Valdivia y Lyon.
Este evento creado, organizado y producido por el Instituto Cultural de Providencia, actualmente dada su organización y profesionalismo y el nivel y calidad de los músicos participantes, es considerado como uno de los escenarios que destaca en el circuito mundial de este género de música y entre los de mayor relevancia en América Latina.
Entre los artis que actuaran se encuentran Maria Joao y The Bees' Adventures Peter Madsen Trío (USA), Paolo Fresu Dúo (Italia), Tommaso Starace Quartet (Italia), Felipe Riveros Trío (Chile) y Carlos López y La Habana Ensemble (Cuba).

domingo, 25 de noviembre de 2012

Mark Helias presenta Festival de Mar del Plata de Jazz

La ciudad se prepara para la segunda edición del Festival "Mar del Plata Jazz 2012", que se realizará entre el 28 de noviembre y el 2 de diciembre y contará con la participación de artistas nacionales e internacionales. El lunes 26, a las 17 horas se realiza el lanzamiento del Festival en Villa Victoria con un concierto del contrabajista Mark Helias.
El Festival que intenta acercar a la gente a este género musical que naciera en los Estados Unidos, será presentado este viernes a las 11:30 en la Sala Arturo Jaureche de la Feria del Libro y el lunes 26 en Villa Victoria el contrabajista Mark Helias junto a Rodrigo Dominguez en saxo tenor y Hernan Hetch en batería, darán un concierto con entrada libre y gratuita para lanzar el evento.
Del evento participarán músicos provenientes de distintas provincias argentinas y también de Chile, Paraguay, Uruguay, Colombia y Estados Unidos. Mar del Plata estará representada a través de distintos exponentes del género, entre los que se destacan Julia Sanjurjo Jazz Cuarteto, Sebastián del Hoyo y Esteban Garvie, entre otros.
El evento tendrá conciertos que se realizarán en diferentes espacios como el Teatro Diagonal, donde las entradas tendrán un costo que rondará los $ 40 y también shows gratuitos en la Glorieta de la Plaza San Martín. Para conocer la programación completa del Festival, pueden acceder al sitio oficial: www.mardelplatajazz.com.

sábado, 20 de octubre de 2012

Deep Schrott, Bob Dylan, Jazz y rock


What happens when you take 4 bass sax virtuosos, form the world’s first bass saxophone quartet—yes, they have spawned imitators—and record music from 2 very diverse composers who had a great impact on the 20th century? You get Deep Schrott’s second album: Deep Schrott Plays Dylan & Eisler.
In their press release, the group writes:

Deep Schrott Plays Dylan & Eisler (poise 19)
Recorded LIVE in the intimate atmosphere of a small theatre at Cologne, the album contains nine songs by Bob Dylan and four songs by Hanns Eisler, all of them newly arranged for 4 bass saxophones by Deep Schrott.
The Bob-Dylan-repertoire was recreated on the occasion of Dylan’s 70th birthday in May 2011. The festival “Birthday Greetings from Cologne” presented the premiere of the Deep Schrott Dylan tribute. (See also under www.dylan-koeln.de)
The Eisler songs were arranged by Dirk Raulf for the Deep Schrott project “Vacancies” in 2010, a program dealing with political songs of the 20th century.

Bob Dylan is familiar to most people. Hanns Eisler however, is perhaps more of an unknown to North Americans. Eisler was a German composer who fled to the United States after the Nazi party banned his music.

Eisler wrote music for Hollywood, and was even nominated for a couple of Oscars. But during the Cold War, Eisler became the first causality of the witch hunt that would eventually become known as the McCarthy Era.

Eisler was expelled from the US and moved back to Berlin where he wrote the National Anthem for East Germany. However, he continued to fight against the country’s censorship of jazz and atonal music.

With Deep Schrott Plays Dylan & Eisler, 4 incredibly talented musicians make their bass saxophones sing the songs of peace and social change. Bass saxophones can sing, and Deep Schrott makes it appear as if they can do it effortlessly.

Their arrangements are a blending of harmonies so pleasing, that you forget you are listening to bass saxophones, which for many years were forgotten or neglected. The question that has to be asked, is: Why?

Sure bass saxophones are large, and somewhat cumbersome, but bands regularly pack much bigger and more cumbersome gear. In the overall scheme of things, bass saxophones are not that awkward, yet they add a level of depth and breadth to the music, not matched by any other instrument.

If you play bass saxophone—or even if you just like the sound of the bass—then Deep Schrott is a group you absolutely have to have in your CD collection. Wollie Kaiser, Andreas Kaling, Jan Klare, and Dirk Raulf, are masters of the horn which for years was the brunt of many a joke.

Kaiser, Kaling, Klare, and Raulf, have helped elevate the bass saxophone to a level of fame not seen in nearly a century. And to anyone who thinks that vintage bass saxophones can’t play in tune, think again.

Three of the four members of Deep Schrott play vintage Conns. The sole member in the group who appears to play a modern horn, is Wollie Kaiser, who plays a Julius Keilwerth. (I haven’t asked Kaiser directly, but from the photos and videos I’ve seen of his horn, it appears to be a newer one, as opposed to a vintage JK.)

Regardless if you own a bass saxophone or not, every sax player should own a Deep Schrott CD. I have both recordings. They are each equally well performed, and will leave you wishing you could see the group live. (Something that’s quite easy to do, if you live in Germany.)

Deep Schrott Plays Dylan & Eisler is is available through Deep Schrott’s website. Their first CD, One, is available through their site as well. It contains a number of originals, as well as some modern music arranged by members of the group.

domingo, 23 de septiembre de 2012

Cork Jazz Festival (26 al 29 de octubre). El jazz a Irlanda



Localizado en el suroeste de Irlanda, el condado de Cork es el condado más grande de toda la isla. Un lugar repleto de espectaculares paisajes, cultura, historia, herencia cultural y playas destacadas por su calidad, y por supuesto buena música jazz. Y es que el condado de Cork lo tiene todo.
 Uno de los muchos festivales y eventos de gran relevancia a nivel tanto nacional como internacional es la celebración del Guinness Cork Jazz Festival. Este festival de jazz tendrá lugar en el mes de octubre como cada año, y más concretamente entre los días 26 y 29 de octubre de este año 2012. En el estupendo y afamado Guinness Cork Jazz Festival acude lo mejor del panorama internacional de esta especialidad. Sin duda alguna, este festival de jazz es un premiado evento que atrae a la crème de la crème de los jazzeros del mundo.
 Es considerado el evento que mayor número de asistentes atrae hasta Irlanda. Este festival de jazz sigue año tras año viento en popa con un interesante programa que logra ofrecer a su público el jazz procedente de más de 90 lugares de todo el mundo, todo un lujo del que pocos festivales pueden gozar, de hecho es conocido como uno de los mejores festivales de música jazz de toda Europa, encontrándose entre los tres mejores de todo el mundo.
 Y es que no es para menos, ya que este festival logra concentrar a más de 40.000 espectadores de todo el mundo con ganas de escuchar buena música, llevando en escena más de 30 años. Uno de los puntos clave de este festival es su ambiente distendido, a diferencia de lo que ocurre en otros festivales. A través del paso de los años, algunos de los importantes y reconocidos nombres que han pasado por este festival son Ella Fitzgerald, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Lionel Hampton, Buddy Rich, Mel Tormé, Cleo Laine, Dave Brubeck, Benny Carter, Joe Zawinul, Art Blakey, Gerry Mulligan, Sonny Rollins, Wynton Marsalis, Stéphane Grappelli, Chick Corea and John McLaughlin, entre muchísimos otros emblemáticos artistas del mundo del jazz.
 Este importantísimo acontecimiento musical no sólo nos deleitará con los sonidos más populares de este género musical, sino que también nos traerá muchas otras alternativas relacionadas con el jazz como talleres, conferencias, entretenimiento en la calle, un coro de jazz, un campamento de jazz para estudiantes de la música, así como otras muchas propuestas en las que podremos ser participes.
 El condado de Cork se convertirá durante todo un fin de semana en la capital europea del jazz a lo largo de la celebración del Guinness Cork Jazz Festival. Disfruta de unos días inolvidables rodeado de jazz en tierras irlandesas.

domingo, 19 de agosto de 2012

Jesse Davis y la tradición de New Orleans

El saxofonista JESSE DAVIS es uno de los “jóvenes leones” del Jazz de Nueva Orleans, donde nació en 1965. Continuador de la tradición iniciada por la familia Marsalis y otros músicos de la gran ciudad sureña, no deberá sorprender a nadie el hecho de que Jesse estudiase con Ellis Marsalis en el “New Orleans Center for Creative Arts.”
Jesse mostró signos de gran talento musical desde su mas temprana edad, cuando su hermano Roger (celebrado interprete de tuba) le regaló un saxofón y le enseñó los rudimentos del instrumento. Estudió a continuación con Ellis Marsalis, y más tarde obtuvo una beca para matricularse en la Northeastern Illinois University. Posteriormente fue transferido al Willliam Patterson College en New Jersey para terminar en la New School de New York, donde estudió con el crítico Ira Gitler. Este afirmó mas tarde: “Jesse destacó entre todos los demás alumnos”. Durante sus años de estudiante, Jesse ganó varios premios y distinciones en diferentes Festivales, como el de Notre Dame, Wichita State, New York University, Southern University y Loyola. En 1989 obtuvo el premio “al Músico mas distinguido” en el Festival de Música Down Beat de Philadelphia.
Como músico freelance , Jesse ha trabajado con Jack McDuff, Major Holley, Cecil Payne, Illinois Jacquet, Jay McShann, Chico Hamilton, Junior Mance, Kenny Barron, Tete Montoliu, Cedar Walton, Benny Golson, TanaReid, The Newport All Stars, Roy Hargrove, Hank Jones y una larga lista de otros grandes nombres de la escena Jazzística.
En 1993, 1994 y 1995 realizó varias giras por Europa al frente de su cuarteto. En sus más de 60 apariciones en España, Francia, Italia, Suiza y el Reino Unido obtuvo las más brillantes críticas y una excelente recepción por parte del público. En Julio de 1996 efectúa una gira Europea formando parte de la Sax Machine de Phil Woods, con Charles McPherson y Gary Bartz, .
Bajo contrato exclusivo con la discográfica Concord, sus álbums “Horn of passion” (1991), “As we speak” (1992) “Young at Art” (1993) “High standards” (1994) y “From within” (1996), están disponibles en el mercado internacional. También ha grabado junto a Ray Brown “Some of my best friends are saxophone players” para Teelark y “Burning at the Wooddhouse” junto a Milt Jackson para Qwest.
En 1996 Jesse participa de forma destacada en el film de Robert Altman “Kansas City”, donde interpreta el papel de Earl Warren.
Entre 1994 y 1997, Jesse Davis colabora de forma regular con su paisano Nicholas Payton, con quien le une una estrecha relación musical. Fruto de esta relación ve la luz en 1996 bajo el sello Verve, el album “Gumbo Noveau”, una recopilación de temas clásicos del repertorio de New Orleans vistos bajo la óptica de un Jazzman moderno. En 1997, Jesse vuelve a su ciudad natal, y forma un nuevo grupo compuesto exclusivamente por músicos residentes en New Orleans, al que bautiza con el nombre de “Louisiana Bebop”. Al frente de este grupo realiza una gira de cinco semanas por Europa en la primavera de 1998. En 1999 participó en la primera gira europea de JAM SESSION ’99, un homenaje a Norman Granz y al equipo de Jazz at the Philharmonic, a la que siguieron otras en 2001 y 2003. Desde la primavera de 2004, Jesse reside en Italia. Su último proyecto “The Charlie Parker Legacy Band”, un grupo dedicado a la interpretación de las composiciones de Charlie Parker, se ha presentado con gran éxito en varios Festivales Europeos durante 2005 y 2006.
Influenciado a partes iguales por Charlie Parker, Sonny Stitt y Cannonball Adderley, Jesse exhibe una técnica impecable, un sonido amplísimo y una natural afinidad por el Blues en todas sus interpretaciones. Su música ha sido descrita como “neo-bop”, pero, como él mismo dice, “lo único que me interesa es tocar música bonita … nadie quiere escuchar música fea!”.
Fuente:

viernes, 20 de julio de 2012

George Coleman, saxofonista de Memphis

George Coleman nació en Memphis el 8 de Marzo de 1937. En 1952 a los 17 años de edad comenzó a tocar conel guitarrista BB King. En 1956, George se mudó a Chicago, junto con Booker Little. La bulliciosa escena de jazz lo llevaron junto con músicos de la talla de Gene Ammons, Johnny Griffin, John Gilmore y en 1958, lo invitó a unirse a su propio cuarteto el trompetista Kenny Dorham. Durante 1962, realiza una gira por Europa por primera, pero lo más importante, comenzó a centrarse más en su propia composición y la organización, sentando las bases para su propio octeto que se formó en 1974 y que sigue siendo una fuerza poderosa en la escena del de hoy. Durante diez años a partir de 1964-74, Coleman fue sideman en diversos grupos liderados por algunos de los músicos más prominentes, incluidos Lionel Hampton, Lee Morgan, Elvin Jones, Charles Mingus, Betty Carter, Chet Baker y muchos más. Asimismo, compuso he hizo arreglos para diversos conjuntos. Desde 1973, Coleman se ha centrado principalmente en sus propios grupos, trabajando en cuarteto, quinteto y octeto, añadiendo el saxo soprano a su trabajo desde 1990. Con los diversos grupos, este saxofonista se ha convertido en una figura destacada en los festivales, prestigiosas salas de concierto y clubes en los EE.UU. y Europa, como también la realización de presentaciones con notables pianistas como Ahmad Jamal, Hilton Ruiz, y de Tete Montoliu. Ha grabado más de una docena de álbumes como líder de etiquetas como Verve, y Muse, además de innumerables grabaciones como acompañante. En los últimos 30 años George ha sido una fuerza importante en la educación de jazz. Además de sus centros privados de enseñanza de técnicas de avanzada de jazz, también ha sido consultor y profesor en la New School University, Long Island University, la Universidad de Nueva York y Mannes School of Music, y ha llevado a cabo talleres, seminarios y clases magistrales en universidades de todo más de los EE.UU.

miércoles, 4 de julio de 2012

Chris Botti, trompetista

El trompetista Chris Botti es un dotado instrumentalista, un talentoso compositor y un carismático ejecutor el cual, desde el lanzamiento de su primer álbum en solitario en 1995, ha creado una serie de grabaciones que han creado un género en el reino del jazz contemporáneo. Mediante esta singular combinación de lujosas atmósferas y detalladas improvisaciones, Botti se ganó la aclamación de la crítica y el aprecio de las masas.
El último álbum de Botti, “To Love Again” es una colección de jazz pop del aclamado trompetista y nueve grandes vocalistas invitados, es un digno sucesor de el anterior disco de oro de Botti “When I Fall In Love”.
"To Love Again", está disponible como un CD normal y un Doble CD, proyectando el inimitable tono aterciopelado y sublime forma de expresarse con la trompeta en 13 grabaciones de pop y jazz de nuevo. Con nueve representaciones vocales por parte de algunos de los grandes cantantes del pop, jazz y rock moderno. A la semana de haber lanzado el álbum llego al TOP 200 de Billboard con una exitosa posición 18ª con un futuro prometedor. La revista Billboard predijo que sería “un grandioso éxito” como su predecesor el cual permanecía en el TOP 5 del la lista de éxitos Tradicional Jazz.
Uniendo a Chris en el "To Love Again" con vocalistas invitados como Sting (“What Are You Doing the Rest of Your Life?”), Paula Cole (“My One and Only Love”), Michael Bublé (“Let There Be Love”), Jill Scott (“Good Morning Heartache”), Paul Buchanan (“Are you Lonesome Tonight?”), Gladis Knight (“Lover Man”), Renee Olstead (“Pennies from Heaven”), Rosa Passos (“ Here Comes that Rainy Day”), y Steven Tyler (En Charlie Chaplin's “Smile”). Resumiendo "To Love Again" tiene también pistas instrumentales como “What's new”, “I'll be Seeing You”, “Embraceable You" y “To Love Again". Como en su último álbum, Chris Botti cuenta de nuevo con la London Session Orchestra, la cual proporciona un opulento color a los arreglos del álbum.
La edición doble de "To Love Again" presenta muchas imágenes exclusivas de todo el "Making of" entrevistas y grabaciones en el estudio y muchas otras cosas.
"To Love Again" sigue con el extraordinario éxito de su revolucionario último álbum "When I Fall in Love", el cual vendió más de 500.000 copias hasta la fecha.
Lanzado el 28 de septiembre de 2004, "When I Fall in Love" entró dentro del récord de ventas por el deseo del público por los sonidos del jazz romántico. Rápidamente llegó al nº 1 de las listas de éxitos de álbumes de Jazz Tradicional y permaneció 17 semanas en él.
Poco después del lanzamiento del álbum, "When I Fall in Love" saltó asombrosamente del puesto 146 al puesto 37 en el TOP 200, el single más importante dio un salto en las ventas semanales por encima de cualquier álbum grabado por un artista instrumental lanzado en la era del SoundScan.
Botti en colaboración con Sting, el cual canta con Botti tanto en "To Love Again" como en "When I Fall in Love", desde 1999, cuando el trompetista se unió a las bandas de pop legendarias apareciendo como solista en el tour “Brand New Day”, el cual duró dos años y medio. Veterano en el mundo del jazz contemporáneo y corriente principal de la escena del pop de estudio, Botti trabajó con Joni Mitchell, Natalie Merchand, y el renombrado compositor de música cinematográfica John Barry, entre otros. El crítico cinematográfico Rex Reed dijo de él: “es el trompetista más atractivo desde Chet Baker”. Botti trabajó con la banda de Paul Simon en 1991, donde permaneció durante cinco años. En 1995 grabó su primer álbum como solista, "First Wish". Después hizo un tanteo en la película de 1996 'Caught', Botti volvió en 1997 con su segundo LP, "Midnight Without You", seguido por "Slowing Down the World", dos años después. En 2002 su álbum decisivo, "Night Sessions", alcanzó el nº 2 en la lista de éxitos de jazz contemporáneo, mientras que su colección estacional, "December", lanzada a la venta ese mismo año, alcanzó el nº 7 de la misma lista de éxitos.
En septiembre de 2003 lanzó, "A Thousand Kisses Deep" entró en el nº 20 de la lista de éxitos de TOP Heatseekers de Billboard y en el nº 3 de la lista de éxitos de jazz contemporáneo.
Acerca del Artista
Chris Botti es originario de Oregón, el cual nació en Portland y creció en Corvallis. Su influencia musical más temprana fue su madre, una cualificada pianista y profesora eventual de piano. "Yo no soy capaz de sentarme a tocar el piano" admite Chris. “Pero conozco la armonía y generalmente compongo con el piano mejor que con la trompeta.” Él realizó sus estudios musicales con una serie de excepcionales profesores: David Friesen en el noroeste, Dave Baker en Indiana y a continuación Botti se trasladó a Nueva York en 1986 con el maestro de la trompeta Woody Shaw.
“Después vine a Nueva York,” comenta Chris, “ e hice lo que deseaba para ser un músico de jazz. Amo improvisar, pero necesitas vivir la tradición bebop para poder hacerlo. Como lo hace el tipo de músico que es Woody Shaw, por ejemplo, tocando brillantemente, moviéndose un poco más rápido que yo.”
“La música que realmente me inspiró cuando era un adolescente fue más bien Miles Davis tocando baladas con el segundo Quinteto. La banda tocando “Stella Starlight” es algo muy diferente," dice, "que Bud Powel tocando el mismo tema."
“Mi música es mas intimista, porque no tiene el formato del pop. Pero esta calidad atmosférica es la que yo realmente amo del jazz, y he intentado enlazar este sentimiento con las texturas y las melodías que se pueden oír en una grabación de Peter Gabriel o Bryan Ferry.”
Cuando Paul Simon le necesitó durante 15 meses en su gira mundial en 1990, Chris se convierte en un acompañante musical clave respaldando al grupo que combinaba músicos brasileños y africanos con veteranos de sesiones en Nueva York como Randy Brecker, Richard Tee y Steven Gadd. El debut como solista de Botti, con "First Wish", fue lanzado en 1995, su segundo esfuerzo, "Midnight Without You" (una colaboración con un grupo de pop inglés Blue Nile) apareció en 1997 y fue seguido de "Slowing Down The World" en 1999. El compositor cinematográfico, galardonado con premios Grammy, John Barry fichó a Chris como solista en su partitura orquestal de Playing By Heart; Chris hizo una composición propia y presentó la partitura para la película 'Caught' de Robert M. Young.
En el estudio y en el escenario, Chris Botti trabajó con destacados compositores como Marc Cohn, Joni Mitchell y Natalie Merchand; como acompañante musical, apareció en decenas de álbumes, recopilaciones y bandas sonoras. En 2000, Chris colaboró en el primer Cd en directo de Sting. “ Sting in Tuscani: All This Time” que formaba parte de una serie de conciertos en A&E In Concerts, nominado a seis premios Emmy. Chris formó parte de una espectacular y memorable representación en el fatídico día de otoño, 11 de septiembre de 2001.
Trabajando con su compañero de banda y multi-instrumentalista Kipper, el debut de Chris con el sello Columbia con "Night Sessions", inspirado en los sonidos de la escena de los clubes nocturnos europeos, se escribió y se grabó durante dos meses y medio durante el descanso de la gira de Sting. El álbum se convirtió en un importante éxito del jazz contemporáneo desde su lanzamiento en octubre de 2001. Columbia lanzó un DVD de "Night Sessions Live in Concert" en agosto de 2002. Filmado en directo en el histórico El Rey Teatro en Los Ángeles, “ Chris Botti and Friends” presentado por el trompetista con su propia banda mas la aparición de Sting y Shawn Colvin como artistas invitados.
En octubre de 2002, Chris lanza un tema navideño en su álbum "December". Es una colección de 13 pistas combinando interpretaciones alegres de estándares estacionales (“Little Drummer Boy”, “ Hark! The Herald Angels Sing”) con canciones contemporáneas con espíritu navideño, incluyendo “Hallelujah” de Leonard Cohen y “Perfect Day” por Richard Marx. Como soporte promocional de "December", Botti salió en el programa 'The Caroline Rhea Show'. Fue invitado a volver al día siguiente… entonces trabajó puntualmente como colaborador en el directo de Rhea, haciendo de anfitrión de la estrella y frecuentemente participando con la banda dirigida por el bajista Tim LeFebvre. Esto fue en mayo de 2003 y Chris participó en el programa 'The Caroline Rhea Show”' durante cinco meses.
En "A Thousand Kisses Deep", Chris comenzó a mostrar su afinidad por los clásicos, grabando un arreglo del clásico de Miles Davis "My Funny Valentine". La reacción de esta representación - tanto en disco como en directo - hace que Chris realice el siguiente álbum centrándose en el repertorio de los grandes cancioneros americanos.
"When I Fall in Love" fue grabado en Los Ángeles y en Londres en 2004 y producido por el veterano Bobby Colomby. Trabajó con algunos de los más expertos arreglistas. Ha sido aclamado como “un clásico inmediato” por muchos y continúa siendo uno de los más vendidos del año de su lanzamiento. La gran oportunidad de Botti llegó cuando fue “ descubierto” por Oprah Winfrey, la cual rápidamente defendió su arte ante la audiencia, presentándole en su show en noviembre de 2004. Al cabo de una semana vendió mas de 50.000 CDs y no ha parado desde entonces, manteniéndose en la cima del top 5 durante todo el tiempo.
Botti se ha superado a sí mismo con el lanzamiento de su último álbum "To Love Again". Empleando nueve de los más exquisitos vocalistas de esta era, contando con sublimes arreglos orquestales, y una vez más bajo la dirección del productor Bobby Colomby, este álbum está repleto de grandes expectativas.

jueves, 14 de junio de 2012

Joshua Redman Quartet - Headin' Home (Live)


Joshua Redman nacido el 1 de Febrero del año 1969, en Berkeley, California.
Saxofonista estadounidense de jazz influido por grandes musicos como Red Holloway, Gene Ammons, Bud Powell, Sonny Rollins, John Coltrane, Dexter Gordon y otros...
Hijo del saxofonista Dewey Redman.
Joshua comenzó a tocar a los 5 años. Rapidamente aprendio a tocar la guitarra y el piano.

Joshua Redman, un hombre rodeado de musicos y de música...

jueves, 17 de mayo de 2012

saxofonista tenor Wardell Gray (1921-1955)

El saxofonista tenor Wardell Gray no estuvo ajeno al destino que aparece como el denominador comun de muchos destacados músicos de jazz, una corta vida y una muerte prematura,y justamente cuando empezaba a destacarse como músico. Nació en Oklahoma, Nevada el 13 de Febrero de 1921.Desde mu joven comenzó a estudiar clarinete en una institucion de Detroit. Su comienzo profesional fué con la orquesta de Earl Hines donde estuvo dos años, en esta banda, autentico semillero de grandes musicos, Wardell Gray tocaba el clarinete y el saxo contralto, pero rápisamente pasó al tenor.Recibió la influencia de tres saxofonista que le dejaron impresionados: Lester Young, Don Byas y sobre todo, Charlie Parker. Después se traslado a la costa oeste de los Estados Unidos, la ciudad de Los Angeles, destacando como un músico excepcional. En 1946 ficha para la orquesta de Benny Carter. También tocó con Benny Goodman lo incorporó a su septeto y con el estuvo tres años. En 1947 grabó junto Charlie Parker, Howard Mcghee, Dodo Marmarosa, Barney Kessel, Red Callender y Don Lamond , una sesion inolvidable para el sello Dial y que demostraba que Gray podia haber sido el saxo tenor que Bird deseaba. En 1951 formo su primer grupo liderado por el,contando con la colaboracion de Art Farmer un extraordinario trompetista que debutó profesionalmente precisamente en la formacion de Wardell Gray. A fines de mayo de 1955 fue llamado por Benny Carter para inaugurar el Moulin Rouge un club de Las Vegas. Dos dias despues del debut, el 26 de mayo de 1955, fue encontrado en el desierto de Nevada el cuerpo sin vida de Wardell Gray con el cuello partido, falleció a los 34 años en circunstancias hasta hoy día no aclaradas. Gray fue sin duda uno de los grandes saxo tenores de la historia del jazz.

domingo, 22 de abril de 2012

Robert Glasper, el Jazz y el hip-hop

Si me tuviera que definir diría que soy un músico de jazz al que le gustan muchas cosas, y no sólo el jazz". Conocido por su capacidad para combinar los sonidos del jazz y el hip-hop, el pianista Robert Glasper (que ha firmado tres discos para el sello Blue Note) vuelve a España para actuar con su trío, mañana por la noche en Madrid (teatro Fernán Gómez), y el jueves en Badajoz.
Como tantos otros, Robert Glasper se hizo músico de jazz en la Iglesia: "mi iglesia era tan pequeña que no cabía un bajo ni una batería, todo lo que había era un piano no demasiado bien afinado, así que tuve que aprender a apañármelas por mí mismo para conseguir hacerlo todo y que la cosa sonara". De aquellos lodos surgió el enfant terrible que hoy blande la bandera de un jazz felizmente contaminado con los sonidos de la modernidad: "me encanta decir que soy músico de jazz. Entiendo que hay muchos a los que no les gustan que se les llame así, porque temen que el público no va a ir a escucharles pero no es mi caso. Para mí, el jazz es una reflexión acerca de la sociedad en la que vives. Cada periodo tiene su tipo de jazz. En los cincuenta, los músicos de jazz tocaban la música del momento en que vivían. En los sesenta, lo mismo. Pero esa cadena se ha roto. La idea generalizada es que los músicos de jazz, hoy, tocan música vieja. El público piensa en el jazz como en una foto en blanco y negro, y siempre los mismos artistas: Thelonious Monk, Charlie Parker, John Coltrane, Miles Davis... luego se quejan de que el jazz no es popular".
Para Robert Glasper, mezclar a Herbie Hancock con Radiohead o a Thelonious Monk con J Dilla es lo mas natural del mundo: "estoy seguro de que si Miles hubiera tenido a Dilla en los cincuenta hubiera tocado su música". Glasper se refiere a su música como el resultado de un proceso de fusión orgánico: "hago lo que hago porque me gusta y porque me sale así, de una forma natural. Toco de habitual con artistas del hip-hop como Mos Def o Bilal, son mis amigos, incluso visto al estilo del hip-hop. Sin embargo soy un músico de jazz. Lo ideal es combinar ambas cosas. Me encanta cuando veo la audiencia y hay un tipo mayor que ha venido para escucharme tocar estándares y, a su lado, un quinceañero que está bailando con una canción de Dilar. Algo que no ocurre en el caso de otros músicos de jazz metidos a intérpretes de hip- hop: no voy a dar nombres, pero Vd. y yo sabemos de muchos que se ven obligados a tocar hip-hop para que no digan que son unos vejestorios... yo no digo que haya que tocar hip-hop para ser moderno, la música de hoy tiene otras muchas vertientes. El papel del músico de jazz es servirse de ellas para crear su propio mundo, pero debe escoger lo que realmente le llegue al corazón, no sentirse obligado a nada. Para ser moderno lo primero que tienes que ser, es honesto".
El concepto de modernidad
Una y otra vez, Glasper reivindica el concepto de modernidad para la música que interpreta: "yo soy moderno por necesidad, porque entiendo el momento en que vivimos, porque es mi momento. Algunos dicen que soy un francotirador porque mezclo las cosas, pero el jazz era así al principio. Los músicos de jazz siempre han sido modernos. De hecho, puede decirse que el jazz es el padre del hip-hop".
Para Glasper, si el jazz ya no es lo que era, se debe, en parte, a la cobardía de quienes lo interpretan: "una de las características del momento presente es que se coloca a los músicos del pasado en un pedestal tan alto que, quienes vienen detrás son incapaces de luchar para ser como ellos, y terminan dándose por vencidos. Esto es algo que sólo ocurre en el jazz. Si te fijas en el baloncesto, por ejemplo, Kobe Bryant o LeBron James comenzaron intentando parecerse a Michael Jordan y ahora son dos estrellas indiscutibles. El músico de jazz se ha vuelto cobarde. Peor todavía: se ha generado un clima en el que decir que uno quiere ser mejor que John Coltrane está considerado una insolencia. Me ha pasado a mí. Pero Coltrane, o Parker, o Monk, eran seres humanos. Yo pienso que eso es precisamente lo que uno debe pensar, porque si piensas en grande, llegarás a algo grande, pero si no lo haces, siempre estarás en el mismo sitio".
Como el resto de los artistas que integran el programa del XXVIII Festival de jazz de Madrid, Robert Glasper ha renunciado a cobrar su caché para depender de la taquilla: "pero ¿qué otra cosa puedes hacer en un momento como éste? El momento que vivimos es terrible para la cultura. No hay dinero para nada, y mucho menos para la música, el jazz. Y quede claro que no es una cuestión de que a la gente le guste o le deje de gustar la cultura: es que la necesita. Pueden recortar todos los fondos que se quiera, no podrán nunca suprimir la razón por la que necesitamos la cultura. Ocurre lo mismo en América. Ya no hay bandas de música en los colegios porque no hay dinero, pero cuando la gente va a la gran ciudad, lo primero que hacen es ver dónde se puede escuchar música. Por eso estoy aquí, para servir de inspiración y porque creo que es importante dar la oportunidad a la gente de sentir la música".
Un sentimiento que, en el caso de Glasper, está asociado al de la sorpresa que generan sus conciertos: "una hora antes de salir a escena, no tengo la menor idea de lo que vamos a tocar. Todo depende de las vibraciones que genere la audiencia. Algunos músicos recorren el mundo tocando cada noche lo mismo, a mí me gusta ver primero cómo reacciona el público y sólo entonces decido tocar una cosa u otra, así que nunca se sabe...cada audiencia tiene su propia lista de canciones".

sábado, 31 de marzo de 2012

John Hollenbeck, baterista en la búsqueda del placer

La subyugante oferta musical que integra el prodigo universo sonoro del compositor y baterista John Hollenbeck lo ha elevado con justicia al cenit imaginario en el que se ubican los artistas más creativos de la última década. En su trayectoria reciente se dan cita en perfecta sincronía proyectos paralelos de equivalente calidad, tales como el incomparable The Claudia Quintet, sus respectivos dúos con el saxofonista Jorrit Dikstra y el cantante Theo Bleckmann, The Refuge Trio y el recientemente constituido Hello Earth!. No obstante podríamos colegir que, de ese vasto territorio estético en el que confluyen e interceptan entre otros géneros el jazz, la música de cámara, el minimalismo, la música folk y el post-rock; es el John Hollenbeck Large Ensamble la propuesta que mejor contiene su pensamiento orquestal de avanzada y la exuberancia de los ideales artísticos que lo distinguen.
La plenitud estética de este emprendimiento ha quedado debidamente testimoniada en los álbumes A Blessing de 2005 y Eternal Interlude de 2009 ya que ambos trabajos, además de impulsar una eminente renovación del concepto de big band, han permitido un reposicionamiento de los principios tendientes al mestizaje de jazz y música clásica otrora enarbolados por la third stream o tercera corriente y su precursor, el jazz sinfónico. Las composiciones pergeñadas por John Hollenbeck para este ensamble se caracterizan por su fuerte anclaje a la partitura, espacios de improvisación acotados a los instrumentos solistas, un encuadre de la masa sonora que privilegia la textura, el timbre y la dinámica en comunión con nociones cromáticas heredadas de Gyorgy Sandor Ligeti, una liberación de las estructuras sinfónicas tradicionales a la manera de los postrománticos y una apropiación de elementos de libre atonalidad asociados a Arnold Schoenberg.
El fulgor académico que manifiestan sus composiciones no se circunscribe a las elites de la música culta ni se ajustan con exclusividad a los restringidos márgenes que delimitan el territorio asignado al jazz de vanguardia. Por el contrario, en las ideas que emanan de sus partituras se expresa una heterodoxia siempre vinculada a las nuevas corrientes de la música creativa pero canalizada mediante una explícita y deliberada orientación a desacralizar la actitud intelectual exagerada y con una pertinaz búsqueda por construir sensaciones auditivas placenteras.
El arte musical une a la obra con su autor; pero en el caso de John Hollenbeck, al igual que con otros elegidos, está presente la indisimulable intención de extender ese enlace a quienes acceden a la misma. Es decir que su propuesta artística conlleva la indisimulable aspiración por lograr que el creador, la obra, su exposición y posterior contemplación, se vinculen entre sí a través del placer.

viernes, 2 de marzo de 2012

Billie Holliday, Strange fruit y Eduardo Galeano


La empresa Columbia se negó a grabar esa canción, y el autor tuvo que firmar con otro nombre.

Pero cuando Billie Holliday cantó Stran fruit, cayeron las barreras de la censura y el miedo. Ella cantó con los ojos cerrados y la canción fue un himno religioso por obra y gracia de esa voz nacida para cantarlo, y desde entonces cada negro linchado pasó a ser mucho más que un extraño fruto colgado de un árbol, pudriéndose al sol.

Billie,

la que a los catorce años lograba el milagro del silencio en los ruidosos puteros de Harlem donde cambiaba música por comida,

la que bajo la falda escondía una navaja,
la que no supo defenderse de las palizas de sus amantes y sus maridos,

la que vivió presa de las drogas y de la cárcel,

la que tenía el cuerpo hecho un mapa de pinchazos y cicatrices,

la que siempre cantaba como nunca
Fuente: Eduaro Galeano "Espejos, un historia casi universal"

lunes, 20 de febrero de 2012

Tony Malaby, en el Festival de Guimaraes



Al primer intento no se pudo terminar y lo dejamos para la noche siguiente. Relajado y locuaz, entre los descansos de las jam sessions que tuvieron lugar en el pasado Festival de Guimarâes, Tony Malaby contesta a estas y otras cuestiones. De padres mexicanos, empezamos en inglés y acabamos largo y tendido en español. Salimos a una pequeña plaza. La lluvia caía con suavidad sobre el suelo medieval de esta ciudad.
¿Sonido o silencio?
Pienso que debe ser una combinación bien entendida de ambos. Para mi el silencio es una escucha creativa que viene provocada por el compañero. Es esa espera mientras él va construyendo su solo y su música crece dentro de ti y te impulsa.
(le comento que en algunos vídeos, dentro del grupo
Bigmouth de Chris Lightcap, le he observado mientras, por ejemplo, Craig Taborn exponía el tema con un Fender Rhodes)
Sí, Craig está en otra dimensión… Es increíble tocar con él. Pasa con otros muchos buenos músicos también, esa es la gran fortuna de esto. Le tengo mucho cariño a este proyecto de Chris.
¿Notas o sonido?
Para mi es más importante el sonido.

¿Norte o Sur?
¡¡Sur!!

¿Montaña o playa?
Playa.

¿Perro o Gato?
Perro.

¿Té o café?
Soy de café.

¿Sombrero o gorra?
(mira hacia arriba)
Ahora un paraguas no estaría mal… (risas).
¿Vino o cerveza?
Me gustan los dos, depende del momento. 
¿El primer disco que recuerda haber escuchado?
A ver… Debió de ser por los 70. Uno de Dexter Gordon… Stable Mable(SteepleChase, 1975), ¿podría ser?... Lo escuchaba día tras día durante semanas. ¿Sabes? Años más tarde, sería a finales de los 80, le vi en un concierto en Los Ángeles. Y con lo primero que me quedé fue con la chaqueta que llevaba ese día. (se lleva las manos a la cabeza) ¡Y era la misma que tenía en la foto de portada de aquél disco! Me dije (se le ilumina la cara y sonríe abiertamente), ¿y a esto te quieres dedicar? (risas).

¿La situación más ridícula o surrealista que le ha sucedido sobre un escenario?Uff, no sé… Creo que fue en un aeropuerto de un país asiático, no recuerdo. De pronto me vi desbordado por tanta información que había a mi alrededor: gente de arriba a abajo, locución por altavoces, tiendas, letreros… y allí estaba yo en medio, tocando... ¿Qué hago aquí?
¿Cuál fue el último concierto de otro músico en el que estuvo?Ayer mismo, aquí, el de
Henry Threadgill con su grupo Zooid, a quien no había visto antes. Me gusto mucho, es algo increíble. ¡Qué música! Creo que en las últimas décadas es uno de los pocos que ha creado un mundo propio.
¿Siempre hubiera querido haber tocado con...?Cumplido mi gran sueño de haber compartido muchos conciertos al lado de Paul Motian (1), a mi me gustaría tocar a trío con Jack DeJohnette. Me encantaría tocar con Jack (¿Aunque fuera, y ya es difícil, dentro del trío de Keith Jarrett?) Sí, claro, por qué no. (risas).
¿Lo mejor de ser músico…? La importancia de la soledad que se necesita para hacer esto, para ensayar, para practicar, para hallar la paz dentro de uno que te permita apreciar y poder expresar con libertad…para que uno sea…¿cómo se dice?… como un conductor que haga que la creatividad fluya... Cierto, no es fácil con tanto viaje encontrar la soledad, pero uno la busca en los hoteles, trabajo mucho en los hoteles.
¿Y la peor?¡Aeropuertos!
¿Qué es la improvisación para usted?Para mi es algo muy profundo y a la vez algo que tienes que compartir. Yo la siento, y se lo digo a mis alumnos, como un acto de composición. La estructura es importante pero yo diría que el proceso lo es aún más.
Por cierto, viene de dar su clase dentro de los workshops incluidos en este festival, ¿qué le estimula más enseñar o aprender?En la actualidad te diría que son parte de la misma cosa. No te imaginas lo que aprendo de mis alumnos. Por ejemplo aquí, en Portugal, lugar al que vuelvo con cierta frecuencia, con el tiempo veo cómo evolucionan.
Y si yo le digo
Voladores
Pues es uno de mis discos (2). ¿Pero tú sabes qué son los voladores? Te cuento, es un ritual mexicano muy antiguo en el que unos tipos se cuelgan de los pies en un palo clavado en el suelo y a cierta altura. Cogidos de la parte más alta, empiezan a moverse hasta que consiguen girar con la velocidad sobre el eje. ¡Increíble!
¿Y Tamarindo?Pues es un grupo mío (con Nasheet Waits y William Parker). El tamarindo es una fruta de la India qure tiene un sabor muy especial… increíble… sabe como… (¿mango?) no, conozco el sabor del mango… (¿kiwi?) no, tampoco…
A ver… ¿cómo se diría?... (¿persimón?) Puede, no sé. ¿Nunca lo has probado? (No, ¿es fácil de conseguir?) Bueno, creo que sí (en Nueva York…).
Su película favorita
(Malaby es un gran aficionado al cine, del mudo -Buster Keaton- al clásico -Kubrick-, del experimental -Stan Brakhage- a las series de norteamericanas del momento -The Wire-. Está al día y le dedica gran parte del tiempo muerto de los viajes).
Yo diría que Cinema Paradiso, de Giuseppe Tornatore.
(otro italiano favorito, pienso, acordándome de la respuesta que dio Tomasz Stanko a este cuestionario).Uy
… A mi me pone los pelos de punta ese arranque que tiene Taxi Driver.
¿Y una rareza?
(la lluvia empieza a empaparnos . Malaby se atusa el pelo hacia un lado y se queda pensativo. Y al final vuelve a parecer esa sonrisa traviesa)
Pues una que te recomiendo, que es una locura total, y que es muy reciente. El director es argentino residente en Francia (Gaspar Noé). Se titula Enter the Void (2009), ¿lo has apuntado bien? Vale. Pues quiero que me mandes un correo cuando la hayas visto y me dices qué te ha parecido. El único tipo, hasta ahora, al que le ha gustado ha sido Marc Ducret, ¿le conoces?… (Sí, ya, tenía que ser francés...) La vimos en mi casa una vez que vino a la ciudad.

(aún no la he visto)
¿Su plato de comida preferido?
La comida mexicana, bien picante.
¿Qué libro está leyendo ahora o ha terminado recientemente?
Estoy leyendo Suttree, de Cormarc McCarthy. Antes me había leído de él Blood Meridian y las imágenes que se fundieron en mi cabeza fue… ¡increíble! (¿Y has visto la película sobre de The Road?) Sí, sí, pero el libro es mucho mejor, es por las imágenes que provoca, no necesitas estar frente a una pantalla. (Es duro McCarthy, ¿no te parece?). Me encanta ese realismo.
¿Una ciudad para vivir…?
Pues por el momento Nueva York, con el trabajo y todo eso, pero cuando sea más anciano me gustaría ir al sur… Al sur de Portugal o de Francia.
(1) Este encuentro se produce el 17 y 18 de noviembre, antes del fallecimiento de Paul Motian. Malaby nos anuncia que está grave, ingresado en el hospital. Nos cuenta que se despidió de él en Nueva York antes de salir para Portugal y que la cita que él tenía con el grupo de Motian en el Village Vanguard, programada para febrero de 2012, no tendrá lugar.
(2) Voladores (
clean feed 2009), con Tom Rainey, Drew Gress y John Hollenbeck.

Fuente:http://noiself.blogspot.com/2012/02/tony-malaby-entrevista.html

La veo al menos una vez al año, y ahora con mayor placer desde que tengo un niño.
Una banda sonora…

viernes, 3 de febrero de 2012

Claude Luter, el clarinete del jazz



Claude Luter (izda.) con Louis Armstrong (1970)
Hijo de un músico profesional, Luter descubrió a temprana edad el jazz de Nueva Orleans, estilo que nunca abandonó a lo largo de su dilatada carrera profesional. Tras una corta etapa como cornetista, inmediatamente adoptó el clarinete, a imitación de su, por entonces, idolatrado Johnny Dodds. Sus primeros pasos como clarinetista los dio en el París de la ocupación. Luter actuó en algunas fiestas sorpresa y gracias a ello pudo salir adelante durante tan críticas fechas.
Con la Liberación, inició su andadura profesional propiamente dicha, empleándose como músico de acompañamiento en diversos clubes y cabarets del emergente Barrio Latino. En mayo de 1946 se estrenó como director de orquesta, inaugurando la parrilla del hotel Lorientais, el primero en la larga lista de locales con jazz que dieron renombre al barrio. El éxito de su música, fiel al modelo del jazz trad, hizo que el lugar fuera frecuentado por la intelligentsia parisiense del momento. Entre los asiduos se contaban Jean-Paul Sartre, Raymond Queneau, Jacques Becker...
El destino de Luter estuvo igualmente ligado al del Festival de Jazz de Niza (Grande Parade du Jazz de Niza), cuya primera edición tuvo lugar entre el 22 y el 28 de febrero de 1948. Luter y sus Lorientais actuaron en representación del jazz francés, acompañando al gran Louis Armstrong. Al año siguiente, el clarinetista participó en el Primer Festival de Jazz de París junto a Sidney Bechet, quien había pasado de tocar el clarinete al saxo soprano; al punto, Luter se convirtió en el mejor alumno que nunca tuvo el ilustre pionero del jazz y, también él, pasó a tocar el saxo soprano en un estilo que recordaba inevitablemente al del primero. La relación entre Bechet y Luter se mantuvo a lo largo de la década, hasta el fallecimiento del veterano jazzista en París, en 1959.
En su calidad de embajador del jazz francés, Luter actuó por toda Latinoamérica, la Unión Soviética (1962) y los principales escenarios del jazz europeo, muy notablemente el Festival de Niza, a cuya cita nunca faltó. En mayo de 1997 viajó a Nueva Orleans para participar en los actos conmemorativos del centenario del nacimiento de Sidney Bechet.
Fallece el 6 de octubre del 2006 a los 83 años de edad.

viernes, 13 de enero de 2012

Rudolph Joseph Jones (1923-1985), "El baterista"

El baterista Rudolph Joseph Jones, conocido como Philly Joe Jones, nació el 15 de Julio de 1923 en Pennsylvania Philadelphia. Comenzó a tocar profesionalmente el año 1940 en la orquesta del saxofonista Ben Webster. Posteriormente tocó con Lee Konitz y Zoot Sims y desde 1952 hasta 1958 en el quinteto del trompetista Miles Davis y otros importantes músicos del Bop y Hard-Bop. En el año 1957 viaja a Europa para participar en varios festivales de Jazz. De 1958 en adelante trabajó como un líder, pero continuó trabajando como acompañante con otros músicos, incluyendo a Bill Evans, Art Pepper, Ben Webster, Lee Konitz, Zoot Sims, Tony Scott, John Coltrane,Hank Mobley y muchos otros más.Como líder grabó pocos álbumes, dentro de los cuales el más conocido es "Blues for Drácula". En una entrevista, Bill Evans admitió con mucha convicción, que Philly Joe Jones era su baterista favorito y el mejor de todos los tiempos.
Philly Joe Jones se ha destacado por   su técnica, su swing, su versatilidad rítmica, su gran imaginación para introducir cambios en los tiempos durante las ejecuciones de los temas.ns.
Fallece en 1985.