"Take five", Polak Jazz Masters

John Hollenbeck, baterista en la búsqueda del placer

La subyugante oferta musical que integra el prodigo universo sonoro del compositor y baterista John Hollenbeck lo ha elevado con justicia al cenit imaginario en el que se ubican los artistas más creativos de la última década. En su trayectoria reciente se dan cita en perfecta sincronía proyectos paralelos de equivalente calidad, tales como el incomparable The Claudia Quintet, sus respectivos dúos con el saxofonista Jorrit Dikstra y el cantante Theo Bleckmann, The Refuge Trio y el recientemente constituido Hello Earth!. No obstante podríamos colegir que, de ese vasto territorio estético en el que confluyen e interceptan entre otros géneros el jazz, la música de cámara, el minimalismo, la música folk y el post-rock; es el John Hollenbeck Large Ensamble la propuesta que mejor contiene su pensamiento orquestal de avanzada y la exuberancia de los ideales artísticos que lo distinguen.

La plenitud estética de este emprendimiento ha quedado debidamente testimoniada en los álbumes A Blessing de 2005 y Eternal Interlude de 2009 ya que ambos trabajos, además de impulsar una eminente renovación del concepto de big band, han permitido un reposicionamiento de los principios tendientes al mestizaje de jazz y música clásica otrora enarbolados por la third stream o tercera corriente y su precursor, el jazz sinfónico. Las composiciones pergeñadas por John Hollenbeck para este ensamble se caracterizan por su fuerte anclaje a la partitura, espacios de improvisación acotados a los instrumentos solistas, un encuadre de la masa sonora que privilegia la textura, el timbre y la dinámica en comunión con nociones cromáticas heredadas de Gyorgy Sandor Ligeti, una liberación de las estructuras sinfónicas tradicionales a la manera de los postrománticos y una apropiación de elementos de libre atonalidad asociados a Arnold Schoenberg.

El fulgor académico que manifiestan sus composiciones no se circunscribe a las elites de la música culta ni se ajustan con exclusividad a los restringidos márgenes que delimitan el territorio asignado al jazz de vanguardia. Por el contrario, en las ideas que emanan de sus partituras se expresa una heterodoxia siempre vinculada a las nuevas corrientes de la música creativa pero canalizada mediante una explícita y deliberada orientación a desacralizar la actitud intelectual exagerada y con una pertinaz búsqueda por construir sensaciones auditivas placenteras.

El arte musical une a la obra con su autor; pero en el caso de John Hollenbeck, al igual que con otros elegidos, está presente la indisimulable intención de extender ese enlace a quienes acceden a la misma. Es decir que su propuesta artística conlleva la indisimulable aspiración por lograr que el creador, la obra, su exposición y posterior contemplación, se vinculen entre sí a través del placer.

Fuente: http://elintruso.com/2011/03/23/john-hollenbeck-large-ensemble-un-placer-extra-large/

Rudolph Joseph Jones (1923-1985), "El baterista"

El baterista Rudolph Joseph Jones, conocido como Philly Joe Jones, nació el 15 de Julio de 1923 en Pennsylvania Philadelphia. Comenzó a tocar profesionalmente el año 1940 en la orquesta del saxofonista Ben Webster. Posteriormente tocó con Lee Konitz y Zoot Sims y desde 1952 hasta 1958 en el quinteto del trompetista Miles Davis y otros importantes músicos del Bop y Hard-Bop. En el año 1957 viaja a Europa para participar en varios festivales de Jazz. De 1958 en adelante trabajó como un líder, pero continuó trabajando como acompañante con otros músicos, incluyendo a Bill Evans, Art Pepper, Ben Webster, Lee Konitz, Zoot Sims, Tony Scott, John Coltrane,Hank Mobley y muchos otros más.Como líder grabó pocos álbumes, dentro de los cuales el más conocido es "Blues for Drácula". En una entrevista, Bill Evans admitió con mucha convicción, que Philly Joe Jones era su baterista favorito y el mejor de todos los tiempos.
Philly Joe Jones se ha destacado por   su técnica, su swing, su versatilidad rítmica, su gran imaginación para introducir cambios en los tiempos durante las ejecuciones de los temas.ns.

Fallece en 1985.

Fuente: http://musicadejazz.blogspot.com/2010/06/philly-joe-jones-baterista.html

Gene Krupa, un coloso

Gene Krupa fue uno de los mejores baterías en la época de las bing bands, el swing y uno de los que más escuela crearon en el mundo del Jazz.
Eugene Bertram Krupa nace un 15 de enero de 1909 en Chicago. Hijo de emigrantes polacos, estudio en la escuela del batería Sanford A. Moeller, un batería de New York muy conocido por ser un batería rudimentario. A la misma vez que profesor de música y compositor. El joven Krupa empezaría a tocar en bandas profesionales en la década de los '20. En 1927 graba por primera vez para Thelma Terry, una mujer que lideraba su propia banda y que tocaba el bajo. En 1929 entra a formar parte de Mound city blue blowers. Banda que graba unas sesiones acogiendo a músicos de la talla de Glenn Miller, y Coleman Hawkins. Poco después en ese mismo año, se traslada a New York. Para trabajar en la banda de Red Nichols. Allí es donde conoce a Benny Goodman, Krupa entra a tocar en su Bing Band. Donde llega a grabar uno de los temas más influyentes. Sing, sing, sing fue la canción donde Kupra se deshace en un solo de batería. Pero la relación entre el clarinetista y el batería, no era tan buenas personalmente como profesionalmente. Ellos tendrían muchas disputas ente ellos. Hasta que un día en el teatro Earl de Philadelphia provocarían una pelea entre ellos dos en publico.
Krupa se marcharía para formar su propia banda junto a Anita O'day y Roy Eldridge. Los éxitos empiezan a asomarse en su puerta. Llegando a grabar bandas sonoras para películas, como la celebre Con faldas y a lo loco en 1939. Película que Marilyn Monroe junto a Jack Lemmon y Tony Curtis protagonizarían un remake 20 años después. Tras tener unos problemas con la justicia por posesión de marihuana, Krupa es condenado a ir a la cárcel. Corrieron tiempos muy difíciles para el batería hasta que volvió a asomarse un viejo amigo suyo. Benny Goodman, con lo que firmarían la paz entre ellos. Goodman le abre de nuevo su puerta para volver a tocar juntos. Su publico lo agradecio totalmente y Kupra volvería a ser nombrado entre las grandes escenas del Jazz. A raiz el batería forma una nueva Big Band. En el conto con un saxofonista venido de Philadelphia Charlie Ventura. Justamente cuando las grandes Big Band estaría asomándose a su final.En la década de los '40. El numero de personas que componían las orquestas sería debilitadas hasta ser formadas por cuartetos, tríos, y en algunas ocasiones sextetos. La época del swing, estaba llegando a su final. Para ceder su testigo a movimientos como el bebop, Free Jazz, Cool...
Pero Krupa tenia un as bajo la manga. Sus contactos en Hollywood le llevarian otra vez a poner música en películas como la película Big Fire de Gary Cooper y Barbara Stanwick, o también harían cameos como actor en Los mejores años de nuestras vidas en el 1946. Dirigida por William Wyler. Allí en Hollywood empieza a trabajar musicalmente junto a Louis Armstrong, confeccionando un bio-pic sobre la vida de Glenn Miller. Las criticas se cebaron totalmente con Krupa, tanchando a la película como muy irreal y que en algunos tramos. Era totalmente identificativa con la propia vida de el batería.
Gene Krupa volvio a New York para tocar en clubes junto a tríos o cuartetos. Con músicos de la talla de Cozy Cole. El propio Krupa tuvo que dejar los escenarios por problemas de salud. Abriendo su propio escuela hasta el fin de sus días. Fallecio un 16 de octubre de 1973.
5 años después entraría a formar parte del salón de la fama. Hoy en día aun sigue siendo uno de los mejores baterías del mundo, llegando a influir su estilo entre mucho de los más grandes. No solo del Jazz si no de la música en general.
Fuente: http://es.paperblog.com/gene-krupa-posiblemente-el-mejor-bateria-del-mundo-578956/

Roberto Gatto, batería desde Italia.

Roberto Gatto nació en Roma en Octubre de 1958. Su debut profesional tuvo lugar en el año 1975 con el “Trío de Roma” (con Roberto Gatto a la batería, Danilo Rea al piano y Enzo Pietropaoli al bajo). Roberto Gatto ha desplegado su talento artístico por toda Europa, y por el resto del Mundo, con sus propios grupos. Todas las formaciones bajo su nombre tienen un sonido característico, una impecable técnica, además de una interesante riqueza tímbrica, y un gran "calor moderado", típico de la cultura mediterránea. Esto hace, seguramente, de Roberto Gatto uno de los más interesantes bateristas y compositores de Europa y del Mundo.
Su apretada agenda de conciertos le ha llevado a participar en numerosos eventos musicales, entre los que destacan los siguientes: “Umbría Jazz Festival” (en diez ediciones); “Festival de Jazz de Montreal” (Canadá); “Chicago Jazz Festival” (1989); “Festival Internacional de Jazz de Jerusalen” (1989). Asimismo, ha celebrado varios conciertos en teatros famosos como: el Olympia de Paris (para el “Paris Jazz Festival”); el Auditorio de la Escuela de Berklee (en Boston); el Blue Note Jazz Club de Nueva York (1987).
Ha colaborado, como “sideman”, en multitud de conciertos y grabaciones con numerosos artistas: Bob Berg, Steve Lacy, Johnny Griffin, George Coleman, Dave Liebman, Phil Woods, James Moody, Barney Wilen, Ronnie Cuber, Sal Nistico, Michael Brecker, Tony Scott, Paul Jeffrey, Bill Smith, Joe Lovano, Curtis Fuller, Kay Winding, Albert Mangelsdorff, Cedar Walton, Tommy Flanagan, Kenny Kirkland, Mal Waldron, Ben Sidran, Enrico Pieranunzi, Franco D'Andrea, John Scofield, John Abercrombie, Billy Cobham, Bobby Hutcherson, Didier Lockwood, Richard Galliano, Christian Escoudè, Joe Zawinul, Bireli Lagrene y Pat Metheny.
Ha trabajado con grandes músicos, entre los que cabe destacar: Mina, Teresa De Sio, Lucio Dalla, Pino Daniele, Ornella Vanoni, Gino Paoli, Ivano Fossati, Riccardo Cocciante, Sergio Caputo, Gilberto Gil, Ennio Morricone y Domenico Modugno.
Como líder de su grupo musical, “Roberto Gatto Quintet”, ha grabado once discos: “Notes” (feat. M.Brecker); “Ask” (feat. John Scofield); “Luna”; “Improvvisi”; “Jungle Three”; “L’ Avventura”; “7#”; “Sing Sing Sing; “Deep”; “Plays Rugantino”; y “Remenbering Shelly”. Pero también Roberto Gatto ha intervenido en numerosos discos de otros artistas internacionales.
En los últimos años, también ha compuesto música para varias películas; junto a Maurizio Giammarco creó la banda sonora de la película “Nudo di donna” (“Mujer desnuda”), realizada por Nino Manfredi y, junto a Battista Lena, para la película “Mignon è partita”, realizada por Francesca Archibugi.
Su biografía está incluída en la famosa “Enciclopedia biográfica de Jazz”, realizada por Leonard Feather e Ira Gitler. Roberto Gatto ha recibido numerosos premios; entre ellos, los más importantes son: en 1983 es designado como “mejor baterista italiano”; entre los años 1985 y 1987, junto al grupo “Lingomania”, obtiene el primer puesto del “Top Jazz” (otorgado por la revista “Música Jazz”) en la categoría de “mejor grupo”; en los años 1988, 1989, y 1990 obtuvo el primer puesto de la categoría “Baterista” en la votación del “Club de la Guitarra”; en el año 1992 fue designado, por la revista “Percussioni”, como el “mejor baterista italiano”.
También, ha realizado dos vídeos didácticos con los títulos: “Batería” (1993), y “Batería, vol 2” (1994). En los años 1995 y 1996, ha sido director artístico del “Jazz in progress” (Teatro Dell´Angelo). Actualmente, es director artístico del Festival de Jazz “Alta Valle del Potenza”. Últimamente, trabaja en solitario y, a menudo, toca con la formación del trompetista Enrico Rava.
Fuente: http://giulianacesariniproart.com/artistas/robertoGatto.html

Manu Katché

El baterista francés Manu Katché se ha convertido en los últimos años en una de las referencias indiscutibles de su instrumento; y ello gracias tanto a su trabajo en el mundo del jazz (en las formaciones del saxofonista Jan Garbarek) como por sus trabajos con estrellas del pop (Sting , Youssou N'Dour y Peter Gabriel).
“Third Round” es el tercer CD que graba para el sello alemán ECM.
Las once canciones de este trabajo van entre el sonido ‘garbariano’ del saxofonista Tore Brunborg y la fusión entre el jazz y el pop del líder de la banda.
“Swing piece” es muy Garbarek, mientras que “Shine and blue”, una de las mejores piezas del álbum, se acerca al jazz-pop al igual que “Being Ben”.
Sólo la balada “Urban Shadow”, se aproxima al sonido ‘ecemaniano’.
Para grabar este disco Katché se ha rodeado de un grupo de excelentes músicos entre los que hay que destacar al pianista Jason Rebello, con quien trabajaron juntos para Sting; y el contrabajista Pino Palladino, con quien llevan 25 años trabajando juntos en diversos proyectos.
El álbum fue grabado en el sur de Francia en Diciembre de 2009 y editado este 2010, toda una autentica joya musical.
Fuente:http://melomanoalsur.blogspot.com/2010/07/manu-katche-third-round-2010.html

Jimmy Cobb

Jimmy Cobb
El hombre que estuvo allí
Por Sergio Zeni *
Tras presentar su Kind of Blue at 50 en el VI Festival de Jazz de Peñíscola, Jimmy Cobb concede unos minutos a la prensa acreditada en el Palau de Congressos. El octogenario baterista lleva una semana agotadora pero el entusiasmo con el que ha asumido este proyecto aún le da fuerzas para mantener una pequeña charla de madrugada, horas antes de partir para Almuñécar.

En su camerino, acompañado por una cerveza y con una gorra que no se quita en ningún momento, Cobb habla de la importancia de Kind of Blue, un éxito que aún hoy no sabe muy bien cómo explicar.
"Kind of Blue es importante porque vendió muchos discos y, desde luego, por la calidad de su música. Más allá de esto no sabría decir por qué, realmente no sé cómo llegó a ser tan importante. En aquel momento estaban Duke Ellington, Count Basie y un buen puñado de big bands haciendo mucha música. Sin conocer bien el negocio, yo siempre pensé que ellos vendían muchos discos, pero llegó Miles y los barrió a todos. Es difícil de creer, pero así fue. No sé cómo ocurrió. Miles siempre sacaba buenos discos, y éste consiguió llegar a lo más alto. Es algo que no había ocurrido antes… He de decir que Miles hizo un montón de buenos discos, discos que me gustan mucho, por lo que me resulta difícil explicar por qué éste llegó más alto que otras grabaciones suyas, como Sketches of Spain, Porgy and Bess, Birth of the Cool… Es posible que Kind of Blue llegara cuando todo el mundo estaba preparado para cosas de este estilo".
Preguntado por los que él considera verdaderos genios del jazz, el baterista repasa los grandes nombres del género hasta detenerse en Parker y Gillespie. “Hay mucha más gente” dice como disculpándose por no mencionar a ningún músico más. "Cuando tienes ochenta años sueles conocer a mucha gente, pero también olvidas muchos nombres".
El recorrido bien podría continuar incluyendo a otros con los que él ha tocado: Dinah Washington, Billie Holiday, Cannonball Adderley, John Coltrane, Wes Montgomery, Sarah Vaughan, J.J. Johnson, Hank Jones, Ron Carter, George Coleman, Dave Holland… Una buena parte de la historia del jazz ha tenido a su lado a Jimmy Cobb con sus baquetas.
Le pregunto qué fue lo primero que pensó a la hora de elegir a los miembros de la Jimmy Cobb’s So What Band, qué idea impulsó el proyecto.
La idea fue de mi mujer.
Tras una ligera pausa en la que percibe mi sorpresa, Cobb continúa…
Sí… a ella se le ocurrió la idea de combinar la celebración de mis ochenta años con los cincuenta de Kind of Blue. Fue ella quien se puso en contacto con la gente de las agencias de contratación. A ellos les gustó la idea, decidieron emprender el proyecto y nos sugirieron nombres de músicos para la banda.
Jimmy Cobb, el hombre que estuvo allí, en las sesiones de 1959 (año en el que además fue convocado por Coltrane para registrar nada menos que Giant Steps), habla con la humildad de un sideman, como si su liderazgo en este proyecto fuese sólo una cuestión publicitaria.
Dentro de cincuenta años, usted probablemente tendrá otros asuntos que atender. ¿Qué les recomendaría a los músicos que vayan a celebrar el centenario de Kind of Blue?
Bueno, creo que Kind of Blue seguirá siendo algo fuerte. Es un clásico… como Beethoven. Kind of Blue es el equivalente a Beethoven en el jazz. Desde la primera vez que lo escuché tengo la misma sensación. Dentro de 50 años seguirá siendo un clásico. Cuando he vuelto a tocar y a escuchar esta musica he tenido el mismo sentimiento que la primera vez. Especialmente porque estuve allí y conocí a todos los que participaron. El mismo sentimiento que yo tengo, lo tiene otra gente. Muchas de las personas con las que hablo me dicen que empezaron a interesarse por esta música gracias a Kind of Blue.
Hoy se cumplen cincuenta años de la muerte de Billie Holiday ¿qué imagen recuerda usted con mayor fuerza de Lady Day?
Tuve ocasión de tocar con Billie cuando todavía vivía en casa de mis padres porque yo tocaba en el cuarteto de su pianista, Carl Drinkard. Cuando ella venía a cantar allí, Carl la acompañaba en trío. Yo tenía entonces 18 años y aquello supuso algo verdaderamente importante para mí, algo grande.
Tuve un montón de buenas experiencias antes de irme de casa. Comencé a tocar la batería cuando tenía 14 ó 15 años. Empecé tarde si lo comparas con otra gente. La mayoría de los grandes bateristas empiezan mucho antes. ¡Buddy Rich empezó a los tres años tocando en un vodevil con su madre y su padre y dando saltos encima del público!
Consultado sobre si sigue de cerca la aparición de nuevos bateristas, Cobb nos cuenta que lo que le ha sorprendido últimamente es la irrupción de algunas chicas como Terry Line Carrington: “Cuando las oyes tocar sabes que son ellas”.
¿Qué es lo más grande y lo más duro de ser baterista de jazz?
Lo más duro es lo que hicimos hoy. Levantarnos en Estocolmo a las cinco de la mañana, coger dos vuelos, tocar aquí durante dos horas. Y mañana volver a hacer lo mismo… probablemente eso es lo más duro. Puede ser extenuante. Pero por otro lado es fácil porque te gusta tocar, te gusta actuar con tu grupo. Supongo que eso, hacer lo que te gusta, es lo más grande.
Los minutos concedidos llegan a su fin. Cobb debe marchar a descansar unas horas antes de volver a la carretera. ¿Qué motiva a este hombre, con actuaciones ya confirmadas para el 2010, a seguir en la brecha?
"No podría retirarme. ¿Retirarme a qué? No sé hacer otra cosa".
* Con la colaboración de Carlos Lara (Tomajazz) y Armand Llàcer (Castelló Cultural).
© Cuadernos de Jazz, 2009
FUente: http://www.cuadernosdejazz.com/index.php?option=com_content&view=article&id=281:jimmy-cobb&catid=10:general&Itemid=11